https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee.atomEdemota - Ma passion partagée2021-04-28T17:31:32-04:00Edemotahttps://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/peinture-intuitive-4-adventures-in-paradise2021-04-28T17:31:32-04:002021-05-28T18:25:57-04:00Peinture Intuitive 4 - Adventures in ParadiseEdwidge De Mota
Je vous invite à être le témoin de mon processus créatif préféré : la peinture intuitive.
Vous verrez l’oeuvre « Adventures in Paradise » se dévoiler étape par étape.
Aujourd’hui, je vous ouvre à nouveau les portes de mon atelier.
Je vous invite à être le témoin de mon processus créatif préféré :
la peinture intuitive.
Vous verrez l’oeuvre « Adventures in Paradise » se dévoiler étape par étape.
Sous la vidéo, je décris un peu plus le processus qui se cache derrière ces instants magiques.
La peinture intuitive
Tous les créateurs n’utilisent pas nécessairement cette approche.
Avec les années, personnellement, j’ai constaté que c’est pour moi l’accès le plus direct et rapide pour entrer dans le flow, dans cette fameuse zone. Dans cet état d’âme où tous les artistes aiment se retrouver.
Pour moi la peinture intuitive c’est souvent une expérience mystique.
Dans cet état magique où les êtres entrent dans une transe quasi divine.
Dans ces moments où notre corps se laisse guider par notre intuition.
Cette petite voix que l’on doit si souvent taire, ici on écoute ses murmures.
On l’écoute nous guider un geste à la fois.
Dans ces espaces où le temps s’arrête, où les doigts s’envolent et dansent animés par les couleurs, transportés par les formes.
Dans ces instants où nos âmes se dévoilent, s’ouvrent, s’expriment en liberté.
La vidéo Youtube ne montre pas les variations de rythmes parfois lents, parfois rapides.
Mais elles existent.
Pour moi, elles me sont nécessaires.
Des espaces de vides, que le silence inonde.
Des instants de connexions fusionnelles avec cette création qui se dessine geste après geste. Lentement touche après touche, le paysage se construit.
L’histoire émerge d’elle-même inspirée par un savant mélange de souvenirs, de rêveries et d’inconscient.
La technique mixte se construit
Les techniques et les médiums se succèdent les uns après les autres.
Vous l’aurez peut-être constaté, je commence souvent les oeuvres de ce genre avec un collage comme fond de base.
Dans ce cas-ci, j’ai également inséré des textures (sable, pâte à craqueler, et une mixture personnelle avec des copeaux de bois).
Ensuite à travers les premières couleurs de peinture acrylique, s’installe les bases du paysage.
Des mots, des émotions, des messages secrets se glissent souvent à cette étape.
Ces intentions, émergent elles aussi naturellement au moment où elles sont mûres à être exprimées. Elles sortent dans les trois langues que je connais, qui font parties de mon histoire.
Elles peuvent aussi se matérialiser sous formes de symboles.
Puis viennent les encres, l’acrylique liquide ou fluide. Leur inconsistence matérialise le Flow qui me propulse à cet instant. Elles indiquent également l’essence de la vie qui s’écoule inévitablement. Cette énergie vivante qui a sa propre force, sa propre intention, qui nous surprend à travers ses sérendipités.
D’autres collages de papiers, de tissus s’incrustent ajoutant de nouveaux contrastes, des nouveaux bouts d’histoires.
Le paysage continue de guider mon intuition, à travers les techniques de fondus et l’ajout des textures des pastels secs et gras.
Et voilà qu’à un moment donné, le voyage et la conversation se terminent.
L’oeuvre est achevée, prête à inspirer d’autres âmes, prête à appeler son futur propriétaire.
Si vous voulez en savoir plus sur l’histoire qui s’est créée et voir l’oeuvre en entier, cliquez ici.
Si vous voulez vivre un peu plus cette expérience avec moi, on se retrouve dans ce petit cours en ligne du même nom.
Vous pouvez découvrir tous les détails de cours sur la peinture intuitive, en cliquant ici.
Et enfin, pour ceux que cela intéresse, je vous ai écrit ci-dessous, la liste du matériel que j’ai utilisé. Les produits sont inscrits par catégorie et plus ou moins l’ordre d’apparition dans la vidéo.
Si vous avez des questions des commentaires, comme d’habitude inscrivez-les à la fin de cet article ou par courriel. J’y répondrai avec plaisir.
J’espère que ce vlog vous aura inspirer à plonger vous aussi dans votre univers.
À très bientôt.
Liste du matériel
Médium
Liquitex - Médium mat pour le collage
Marqueurs
Posca beige 45 - PC.8K
Pébéo - Deco-marker vert clair
Pébéo - 4artist Marker(à base d’huile) - Cuivre - 15 mm
Pébéo - 4artist Marker (à base d’huile) -Or - 8 mm
Sharpie violet, bleu
Acrylique
DeSerres : Vert pastel
Hachem : Portrait
Pébéo - Studio :
Violet d’orient
Jaune cadmium moyen
Jaune lumière
Amsterdam : Jaune de naples rouge
Golden Paint - Heavy Body :
Bleu Anthraquinone (indigo)
Vert de titane clair
Blanc de titane
Jaune de titanate
Orange clair
Acrylique Fluide :
Golden Paint -Fluid :
Blanc de titane
Blanc de Zinc
Gris de payne
Vert doré
Oxyde rouge
Or de quinacridone nickel azo
Orange de pyrrole transparent
Jaune de hansa opaque
Recette maison : vert de gris ( Golden Paint Vert de titane clair Heavy body + Médium à aérographe).
Tri-Art : Vert pthalo nuance jaune
Encre acrylique :
FW :
Vert Genesis
Orange flamme
Jaune Fluo
Pébéo :
Artist acrylic Liquide - Vert lumière
Déco craft - bleu turquoise
Schmincke - Bleu cyan
Golden Paint - High Flow - Indigo
Encre aquarelle :
Pébéo - Colorex - Or
Aérosols à base d’eau :
Pébéo
Deco Spray - vert pastel
Deco Spray - blanc
Pastels secs :
Richesson différentes teintes saumon, ochre, naple rouge (le nom des couleurs n’est pas exact, je n’ai plus l’emballage).
Pastels gras :
Mungyo - Gallery (ensemble fluo):
Orange
Orange fluo
Vert pâle
Sennelier :
Vert de gris
Blanc Géant
Holbein : plante verte
Outils et Autres
Eau dans un pulvérisateur (la petite bouteille bleue)
Princeton - Spatule Catalys
Heinz Jordan :
Pinceau blaireau n.16
Bouteille embout aiguille
Éponge à cosmétique
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/symboles-legendes-etiquettes-resistance-a-la-lumiere2021-03-24T11:03:49-04:002021-03-24T17:32:32-04:00La résistance à la lumière | Comprendre les symboles et légendes sur les étiquettesEdwidge De Mota
Qu'est-ce que la résistance à la lumière ? À quoi ça sert ? Appelée aussi solidité à la lumière, cette caractéristique des peintures correspond à la capacité de la couleur à rester stable face à l’exposition lumineuse. Dans ce vlog, je vous explique concrètement ce que cela veut dire, ce que vos peintures risquent et où trouver cette précieuse information.
La résistance à la lumière, appelée aussi solidité à la lumière correspond à la capacité de la couleur à rester stable face à l’exposition lumineuse.
Que la lumière soit naturelle en provenance des rayons du soleil ou artificielle, la projection lumineuse peut influencer nos peintures avec le temps.
J’aime utiliser la comparaison avec nos peaux d’humains. Certains d’entre nous sont très sensibles à l’exposition, leur peau rougira et pourra brûler.
Bon je vous rassure, la lumière ne brûlera pas nos couleurs … Hum quoi que ? AHAH !
Visiblement les couleurs à faible résistance, vont pâlir, voire disparaître.
Cette capacité de résistance à la lumière n’a rien à voir avec la qualité de peinture que nous avons dans les mains.Cette caractéristique est elle aussi définie par les pigments* utilisés dans la fabrication.
Par contre les « bonnes » marques de qualité étudiante ou professionnelles, nous
D’ailleurs cette information est valable pour tous les types de peintures qu’elles soient à base d’huile ou à l’aquarelle.donnent cette information.
Alors comment retrouver cette information si précieuse ?
Tout d’abord, il faut savoir qu’il existe plusieurs légendes et elles varieront plus ou moins en fonction du continent d’origine du fabricant.
Visiblement, nous voyons sur le bandeau, le rouge est très intense à l’extrémité gauche. Au-dessus et en dessous, on peut lire lessymboles : « +++ » ou « LF I ». Avec ces symboles, on peut être certains que la couleur a une très bonne résistance à la lumière et elle résistera au moins 100 ans sous un éclairage de musée.
Si on regarde l’évolution de la couleur, elle pâlit de plus en plus. Les différents symboles et la durée d'exposition sont définis sous la légende.
J’ai modifié l’image que vous avez ici, en ajoutant la nouvelle légende du fabricant, Golden Paint. Au moment où j’ai fait la vidéo, elle n’était pas encore sortie.
Concrètement à quoi ça peut ressembler une couleur qui est « brûlée » par le soleil ?
Pour répondre à cette question, je vous partage un échantillon fait avec des encres.
Bien que ce test ne soit pas fait complètement avec des peintures acryliques, j’ai choisi de vous le montrer quand même, puisque le résultat est plus rapide à obtenir et à comprendre. L’image est extraite de mon cours sur les encres, peut-être que ça rappellera quelques souvenirs à ceux qui l’ont suivi. ;-)
Attention, la couleur déposée dans la colonne de gauche n’est pas une encre acrylique mais une encre aquarelle à base de colorant (Colorex de Pébéo).
La section supérieure de la feuille a été exposée pendant 30 jours sous ma fenêtre. Alors que la partie supérieure était couverte.
Vous avez facilement constaté que la section supérieure de la colonne gauche a presque disparu.
C’est un peu ce qui risque d’arriver aux couleurs qui ne résistent pas à la lumière.
Bon je vous rassure, je vous rappelle que les couleurs acryliques sont à base de pigments* elles sont quand même plus résistantes que les couleurs à base de colorants.Elles risquent de pâlir en quelques années et non pas en quelques jours. Fiou ! ;-)
Alors, comment éviter que cela se produise d’ici quelques années ?
Les garder à l’abri de la lumière ou les vernir. C’est aussi simple que ça.
Je sais que certains disent qu’il n’est pas nécessaire de vernir de l’acrylique. Mais j’espère maintenant que vous aurez compris que ce n’est pas forcément le cas, à moins que vous ne peigniez qu’avec des couleurs qui ont une forte résistance à la lumière.
D’ailleurs qu’arrive-t-il lorsqu’on mélange des couleurs entre elles, et que ces dernières n’ont pas la même résistance ?
Par exemple, disons que nous fabriquons un beau violet très riche avec un rouge, par exemple laque de garance et un bleu outremer.
Le rouge laque de garance a une faible résistance à la lumière (+ = 10 à 25 ans sous éclairage de musée).
L’outremer quant à lui une excellente résistance à la lumière (+++ = 100 ans minimum sous éclairage de musée).
Au fil du temps, le rouge disparaîtra du mélange.
Le violetse dégradera au fur et à mesure avec le rouge pour ne laisser que du bleu.
J’espère que vous aurez compris l’importance de bien protéger nos créations, surtout lorsque nous en sommes satisfaits, et / où lorsque nous les vendons.
Nous aborderons les autres avantages de vernir nos toiles dans la vidéo sur les vernis, qui sortira d'ici quelques semaines.
Voilà c’est ici que ce termine ce quatrième épisode de la série « Comprendre l’acrylique ». J’espère qu’il vous aura été utile.
On se retrouve dans le prochain épisode, dans lequel nous aborderons les différentes qualités de peinture acrylique.
Pourquoi payer plus cher ? Est-ce que ça vaut le coup ? Etc. Etc.
Si vous avez des questions, des commentaires, comme d’habitude inscrivez-les dans la boîte ci-dessous. Vous pouvez également me contacter par courriel : edwidge@edemota.com
D’ici là, prenez soin de vous et amusez-vous !
*En ce qui concerne les pigments si vous ne savez pas ce que c’est, je vous renvoie à la vidéo sur la composition chimique.
Et si vous n'avez pas vu l'épisode 4 de cette série, que vous ne savez pas comment savoir si votre peinture est opaque ou transparente, je vous invite à le lire :
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/la-decouverte-du-pouring2021-03-17T17:41:53-04:002021-03-17T17:41:54-04:00La « découverte » du Pouring !Edwidge De MotaCette technique du Pouring a connu un renouveau très tendance ces dernières années avec l’ajout d’une substance "mystérieuse" qui permet à l’acrylique de créer des formes cellulaires, plus ou moins aléatoires. Dernièrement, j’ai découvert un site en FRANÇAIS dédié à ce sujet.
Si vous allez un peu sur YouTube ou sur Instagram, vous aurez probablement vu passer certaines images de ce genre.
La technique du Pouring consiste à faire couler, projeter de la peinture acrylique fluide.
L’origine de ces processus date de la deuxième moitié du 20e siècle.
Réputés entre autres grâce aux oeuvres de l’artiste Pollock avec ses projections et ses coulures ; ses procédés ont transformé les générations à venir.
Jackson Pollock in front of Summertime_ Number 9A for LIFE magazine_1949
Cette technique du Pouring a connu un renouveau très tendance ces dernières années avec l’ajout d’une substance "mystérieuse" qui permet à l’acrylique fluide de créer des formes cellulaires, plus ou moins aléatoires. Bon je vous donne le secret qui n’est plus un secret maintenant : c’est du silicone (ou autres dérivés).
Marée Florale par Jacky Guerree
C’est en fin d’année 2016, je me rappelle encore la première cliente qui m’en a parlé et qui m’a dit : « Sais-tu comment on fait pour faire des bulles dans l’acrylique ? Silence… Je la regarde avec des yeux intrigués. Elle me répond, plutôt comme des cellules … Silence… Je la regarde et lui dis : mais qu’est-ce que tu as fumé aujourd’hui ?
Bien évidemment on éclate de rire, et puis elle tente de me montrer sur YouTube … Elle ne trouve pas la vidéo … Je lui dis : « Wow ! Ça devait être de la bonne qualité ton truc … ! » Deuxième éclat de rire. Pour sa défense, à ce moment-ci il n’y avait vraiment pas grand-chose sur le sujet.
Bien évidemment, sa demande avait intrigué la chimiste en moi. J’ai fait quelques recherches et puis je la rappelleet lui dis : « Lyne , j’ai MÉDITÉ et j’ai trouvé ton truc pour faire des cellules … Nouvel éclat de rire AHAHAH !! »
Comme beaucoup, je n’ai pas pu m’empêcher de la tester.
Pourquoi je n’en parle que maintenant me direz-vous ?
Et bien je n’irais pas par quatre chemins. Voilà, personnellement, je n’ai pas été charmée par ce processus.
Je vous donnerai mes raisons plus tard dans cet article.
Mais alors pourquoi en parler malgré tout et pourquoimaintenant?
Pour deux raisons, la première est qu’à l’occasion je reçois des questions de la part de mes lecteurs, et la deuxième est que dernièrement, j’ai découvert un site en FRANÇAIS dédié à ce sujet.
Le site est bien fait, beaucoup d’informations et la possibilité d’acheter pour les Européens.
Ce site s’appelle :
Vous y trouverez tous les trucs et astuces nécessaires à cette technique, incluant un calculateur de quantité … C’est vraiment brillant ! Est-ce que je vous ai dit qu’il est en FRANÇAIS … AHAHA !!
Alors si vous êtes curieux d’essayer cette technique ou si vous avez déjà essayé et que vous avez encore des questions, c’est l’adresse à enregistrer dans vos favoris.
Je vous laisse découvrir tous les sujets qui y sont abordés. C’est vraiment très complet : matériel, technique, outils, finition et même le fameux nettoyage du silicone !!
Vous y trouverez aussi des liens vers d’autres artistes qui utilisent cette technique.
Et si vous avez encore des questions, Jacky vous répondra assurément … en FRANÇAIS !!
Jacky, c’est la plume qui se cache derrière ce blogue. C'est aussi l'artiste qui a réalisé l'oeuvre en photo dans et article. Comme il le dit lui même, il est un « passionné, addict au Pouring. Il est tombé dedans, il y a quelques années après un parcours de modeste peintre amateur assez classique pastel, acrylique puis huile… »
Hum… un parcours dans lequel plusieurs d’entre vous se retrouveront, j’en suis certaine … Non, je ne donnerai pas de nom cette fois-ci … HAHAHA! Mais je pense à vous. ;-)
Si vous trouvez son contenu intéressant, comme d’habitude, je vous invite à vous abonner et à liker. Des gestes simples et gratuits qui font une grande différence pour vos Youtubeurs préférés.
Quant à mon expérience, voici les détails :
Bien que les effets soient hallucinants et spectaculaires, ils ne m’inspirent pas vraiment pour mon art. Je le répète ceci est mon point de vue très personnel, très subjectif. Comme on dit, les goûts et les couleurs ne se discutent pas ;-
Ensuite, cela demande toute une installation pour éviter d’en mettre partout. Il y a un fort potentiel de salissure. Un espace dédié serait idéal.
Et enfin, je trouve qu’il est facile de faire du gaspillage … mais bon quand on est passionné.
Voilà, j’espère avoir créé un petit point de repère pour les intéressés au Pouring en français. Je vous ai dit que le site est en français ??? AHAHA ;-)
On se retrouve très bientôt. D’ici là, amusez-vous !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/opacite-ou-transparence-comprendre-les-symboles-et-legendes-des-etiquettes2021-02-24T13:31:51-05:002021-03-24T17:29:56-04:00Opacité ou Transparence ? Comprendre les symboles et légendes des étiquettesEdwidge De MotaDans cet article, je vous explique les différents symboles que l’on retrouve sur les tubes, flacons de peinture acrylique. Vous comprendrez à quel point ces informations sont importantes, voire primordiales pour notre pratique artistique.
Opacité ou transparence ? Vous ne savez jamais si votre tube d'acrylique contient une couleur transparente ou opaque ?
Dans cet article, je vous explique les différents symboles que l’on retrouve sur les tubes, flacons de peinture acrylique. Vous comprendrez à quel point ces informations sont importantes, voire primordiales pour notre pratique artistique.
À l’origine, j’avais prévu de faire un seul vlog (article et vidéo) sur ce sujet. Finalement lors du montage, je me suis aperçue qu’il serait préférable de séparer le contenu.
Donc dans cet article, nous aborderons les informations qui nous indiquent si la couleur que nous avons entre les mains est opaque ou transparente.
Et dans l’article suivant, nous verrons celles qui nous renseignent sur la résistance à lumière (appelée aussi solidité à la lumière).
Avant de rentrer dans le vif du sujet, je vous rappelle que ces informations d’opacité, transparence et de résistance à la lumière sont des caractéristiques reliées aux pigments utilisés dans la fabrication de la couleur. De fait, chaque pigment a ses propres caractéristiques. Si vous ne savez pas exactement de quoi je parle, avant de poursuivre ce qui suit, je vous renvoie à mon vlog : La composition chimique de la peinture acrylique, au chapitre des pigments.
OPACITÉ OU TRANSPARENCE ?
Pour commencer, je tiens à détruire une idée préconçue qui associe l’opacité d’une couleur à une bonne qualité. NON ! NON ! Cette équation fonctionne peut-être pour les peintures murales, parce qu’évidemment lorsqu’on peint un mur, on ne veut pas avoir à passer 15 couches pour avoir un fini satisfaisant.
Mais dans les beaux-arts c’est très différent.
Que la peinture soit à l’acrylique, à l’huile ou à l’aquarelle, il y a des couleurs opaques et des couleurs transparentes et cela n’a rien à avoir avec la qualité de la marque du tube que vous avez entre les mains.
Ce sont les pigments utilisés qui déterminent si la couleur est opaque ou transparente.
Cependant, il y a certains types de peintures qui sont opaques, peu importe la couleur, telles que la gouache par exemple. Dernièrement, les fabricants ont mis sur le marché des types d’acrylique opaques (toutes couleurs confondues ou presque), nous en reparlerons un peu plus bas dans cet article.
Alors quels sont les symboles qui nous informent sur l’opacité ou la transparence ?Les voici :
Certaines marques utiliseront les symboles carrés ( à gauche de l’image) et d’autres utiliseront les lettres (à droite de l’image).
Dans tous les cas, comme vous pouvez le voir, finalement c’est assez simple. Encore faut-il le savoir. ;-)
Comme mentionné plus haut, les fabricants peuvent influencer les caractéristiques d’opacité ou de transparence. D’ailleurs, depuis quelques mois, on peut trouver sur le marché, par exemple les produits suivants :
Pébéo avec la gamme Mat Pub
Liquitex avec la gamme Acrylic gouache
Golden avec la gamme So Flat
Ces trois gammes offrent une acrylique plus opaque, généralement très couvrante, avec un fini mat et une diminution de l’apparence des coups de pinceau.
Il y a probablement d’autres marques qui offrent ou offriront bientôt des produits similaires. Je vous parle de ces trois-là, parce que c’est celles que je connais ;-) au moment où j’écris ces lignes.
D’autres fabricants utiliseront une autre stratégie que la légende pour nous aider à savoir si la couleur est opaque ou transparente. Dans ces cas-là, ils déposent un échantillon de la couleur sur une petite charte.
Si nous sommes capables de voir la charte en dessous, cela veut dire que la couleur est plus ou moins transparente. Si l’on ne voit rien d’autre que la couleur, c’est que la couleur est opaque. Comme c’est le cas, avec par exemple ces deux tubes de la marque Golden.
À gauche, le tube « Vert de titan clair » est opaque, puisqu’on ne voit rien d’autre que la couleur.
À droite, le tube « Jaune de titanate » est transparent, puisque nous sommes capables de voir les 3 barres obliques noires.
Un autre avantage avec ces marques qui déposent un échantillon, c’est qu’au moment d’acheter une couleur, on sait exactement à quoi s’attendre lorsqu’elle est sèche.
Lorsqu’on utilise des produits de qualités, ces informations sont visibles, parce que c’est important, pour nous artistes peintres de le savoir.
Si toutefois, ces informations n’étaient pas affichées sur les marques que vous avez, je vous invite à consulter les sites web des fabricants. Généralement, il est possible d’obtenir ces informations.
Si ce n’est pas le cas, n’hésitez pas à les questionner sur le sujet ;-)
Et puis, vous aussi déposez un échantillon sur vos tubes, c’est tellement plus pratique quand nous sommes en train de créer.
Si vous avez des questions concernant la composition chimique de la peinture acrylique, je vous invite à nouveau à aller voir les précédents articles :
On se retrouve dans le prochain article pour la suite de cette vidéo des symboles, légendes sur les étiquettes qui font référence cette fois-ci à la résistance à la lumière et je vous explique ce mystère.
Si vous avez des questions, des commentaires, comme d’habitude inscrivez-les dans boîte ci-dessous. Vous pouvez également me contacter par courriel : edwidge@edemota.com
D’ici là, prenez soin de vous et amusez-vous !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/les-caracteristiques-de-la-peinture-acrylique2021-02-10T14:50:25-05:002021-03-24T17:28:54-04:00Les caractéristiques de la peinture acryliqueEdwidge De MotaDans ce vlog nous abordons ensemble différentes caractéristiques de la peinture acrylique telles que : temps de séchage, permanence, et dilution.
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On se retrouve, pour ce 2e épisode de la série « Comprendre l’Acrylique ». Dans cet article, nous aborderons les caractéristiques de la peinture acrylique. Ces notions sont essentielles à connaître pour mieux maîtriser nos techniques.
Comme bien souvent, voici le contenu de cet article sous forme vidéo.
Et pour ceux et celles qui aiment lire et prendre des notes, vous trouverez juste en dessous de la vidéo, tout le contenu y est écrit.
PEINTURE À BASE D’EAU
Elle se dilue à l’eau ** . Mais attention, la dilution à l’eau est une technique qu’il faut aborder avec précaution. Nous verrons ensemble pourquoi, plus loin dans cet article. Le fait qu’elle soit à base d’eau lui permet d’avoir une faible odeur (voir aucune).
FAIBLE ODEUR
Et cela la différencie beaucoup de la peinture à l’huile qui est beaucoup plus odorante et dont les émanations peuvent être toxiques.
Ce qui n’est pas le cas avec la peinture acrylique. Donc on peut l’utiliser n’importe où. Il n’est pas nécessaire d’être dans un environnement très bien aéré pour pouvoir peindre.
SÉCHAGE RAPIDE
Le temps de séchage de la peinture acrylique est rapide. On parle ici de quelques minutes en général. En revanche, le temps de séchage est également variable en fonction de plusieurs facteurs :
la quantité de peinture déposée. Cela va de soi qu’un gros relief mettra plus de temps à sécher qu’une fine couche.
de la chaleur et du taux d’humidité de l’environnement de travail.
Ces derniers points sont à considérer sérieusement, les jours où l’on s’installer pour perdre. Parce qu’ils influencent grandement le temps de séchage et de fait notre technique ainsi que nos habitudes de gestuelles.
Je pense notamment lorsqu’on veut faire des fondus, des portraits, des nuages … Trop d’humidité ou une température élevée risquent de déstabiliser nos habitudes et les résultats attendus. On peut voir apparaître des « grumeaux ». Cependant si l’on veut s’assurer un temps de séchage plus long, on peut utiliser un retardateur pour peinture acrylique.
Nous aborderons ce sujet plus amplement dans la vidéo « Les médiums et additifs de base ». En attendant, sachez que cela existe et que vous pouvez en trouver dans votre magasin spécialisé.
PERMAMENTE
Une autre caractéristique de la peinture acrylique est qu’elle est permanente. Ce qui veut dire qu’une fois sèche, la peinture acrylique est très résistante. La couche qui vient de sécher ne pourra plus être retravaillée ni diluée. La seule possibilité de la modifier est de travailler avec des couches subséquentes.
On pourra toutefois, la retirer avec de l’acétone. On peut également utiliser de l’alcool à friction (70-90%) ou de l’alcool ménager, mais pour cette option, il faudra opérer assez rapidement, avant que l’acrylique soit séchée depuis plusieurs jours. La couche d’acrylique à retirer devra être fine. Dans tous les cas, pour ces deux options, il faudra être très prudent(e), parce que ces deux produits pourraient venir abîmer ce qui est peint à côté.
De ce fait, il faut penser à bien protéger son espace des tâches qui une fois sèches seront difficiles à enlever.
Ce qui n’est pas du tout le cas avec l’aquarelle, par exemple que l’on pourra retravailler même sèche depuis des années.
SUPPORTS
La peinture acrylique s’utilise sur différents supports tels que la toile, le bois, le papier, le carton, le plâtre, le plastique, le métal, le tissu, etc. En fonction du support choisi, il aura peut-être besoin d’être apprêté de façon adéquate.
Les supports poreux (bois, tissus, plâtre, etc.) apprécieront de recevoir un apprêt un peu imperméabilisant, tel que le gesso. Ceci afin d’éviter que le support ne boive énormément de peinture. Un support poreux a également tendance à donner un effet mat à notre peinture.
Les supports plus lisses tels que le plastique, la céramique, le métal, etc. auront besoin à l’envers d’un apprêt poreux pour optimiser l’adhérence de la peinture sur leur surface lisse.
Cela dit, toutes ces recommandations ne sont en rien obligatoires. Cela va dépendre de l’effet et de l’usage que l’artiste cherche à créer.
Dans tous les cas, si vous n’êtes pas certains, faites une expérience sur un morceau dédié pour l’expérience. Et observez les réactions et les résultats obtenus. Parfois, il faut aussi être patients et attendre quelques jours ou quelques semaines avant de voir vraiment le résultat.
Les toiles que l’on trouve en magasin sont déjà apprêtées d’au moins une couche de gesso (sauf exception). Elles sont donc prêtes à peindre. Toutefois, on peut quand même ajouter encore du gesso, pour enlever l’effet de tissage de toile et ainsi obtenir un support plus lisse.
EFFETS, TEXTURES, ETC.
La peinture acrylique offre la plus grande variété d’effets, de textures, d’iridescences, defluorescences et permet ainsi une multitude de techniques et de styles. Ce qu’on adore quand on a un esprit créatif, curieux qui fourmille de plein d’idées.
Ce sujet sera abordé plus en profondeur dans la vidéo du même nom.
DILUTION
Étant à base d’eau, l’acrylique se dilue à l’eau. ;-) Cependant, il faut être bien vigilant, et ne pas dépasser 25% d’eau.
Ce qui est comparé à 1 portion d’eau pour 3 portions de peinture.
Ce ratio peut varier en fonction des marques et des qualités utilisées. Les qualités professionnelles peuvent supporter un peu plus d’eau, mais cela reste variable et incertain.
Cela dit, pourquoi ?
En étant le diluant, l’eau est aussi le solvant, donc si dans nos mélanges nous dépassons ce pourcentage et que nous utilisons plus d’eau, cette dernière va entrer dans la chimie et la dissoudre.
Ce qui va altérer les différentes caractéristiques de l’acrylique, on parle ici d’adhérence, de fusion de pigments avec le liant, de résistance à la lumière (voir la vidéo 3 : comment lire les symboles, légendes et étiquettes (bientôt disponible)).
Quelques petits indices, lorsque nous avons dépassé le ratio, on verra les pigments s’extraire du liant acrylique, laissant ainsi apparaître leurs petites particules de poudres.
On pourrait voir apparaître des craquelures si la couche est encore épaisse, mais qu’elle a reçu trop d’eau.
Alors, quoi faire si l’on veut une plus grande proportion de dilution ?
Dans ce cas, on pourra utiliser différents médiums qui respectent la chimie de la peinture acrylique et qui nous permettront de jouer dans toute la gamme de viscosités. Par exemple les diluants, les médiums à aérographes, les médiums à glacis (pour avoir plus de transparence). Ces produits seront eux aussi abordés dans les vidéos suivantes.
Et voilà, j’espère que ce deuxième article aura répondu à quelques questions que l’on peut se poser.Cela vous aura peut-être aussi permis d’identifier certaines erreurs que vous avez peut-être commises dans le passé.
Si vous avez des questions, des commentaires, inscrivez-les juste en dessous. Vous pouvez aussi me les adresser par courriel. J’y répondrai avec plaisir.
Si vous avez des questions concernant la composition chimique de la peinture acrylique, je vous invite à aller voir le précédent article :
On se retrouve dans le prochain article dans lequel nous verrons ensemble, comment savoir si la couleur que nous avons entre les mains est opaque ou transparente ?
D’ici là, prenez soin de vous et amusez-vous !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/la-composition-chimique-de-lacrylique2021-01-27T17:02:10-05:002021-03-17T20:07:14-04:00La composition chimique de la peinture acryliqueEdwidge De Mota
Lorsque l’on débute avec la peinture acrylique, on a souvent une tonne de questions, quant au produit lui-même. Au-delà des techniques comprendre les produits en tant que tels est une des clés majeures vers la maîtrise de votre art. C’est dans cet objectif que je vous offre une mini série sur le sujet.
Dans ce premier épisode, nous abordons la composition chimique de la peinture acrylique, afin de mieux la comprendre, pour mieux la maîtriser.
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Lorsque l’on débute avec la peinture acrylique, on a souvent une tonne de questions, quant au produit lui-même. Et soyons honnêtes aussi, même si nous sommes a un niveau plus avancé en termes de technique, on peut quand même avoir certaines questions. Après tout, nous ne sommes jamais trop connaisseurs.
Au-delà des techniques comprendre les produits en tant que tels est une des clés majeures vers la maîtrise de votre art.
Et c’est dans cet objectif que je vous offre une mini série sur le sujet.
On commence avec le premier épisode :
La composition chimique de l’acrylique
L’acrylique est un des plus jeunes médiums dans l’histoire du matériel d’art. Il est arrivé vers les années 1950-60.
En comparaison à la peinture à huile qui remonte au XVe siècle.
Les marques Golden et Liquitex s’attribuent l’originalité de la conception. Toutefois, on retrouve certaines traces de la première acrylique au Mexique dans les années 50, notamment avec les peintres muralistes.
L’acrylique matérialise l’état d’esprit innovateur de cette génération. À l'heure actuelle, c'est LE médium qui nous offre le champ de possibilités le plus vaste.
La peinture acrylique existe grâce à 3 composants principaux :
l’eau
Les pigments
Le liant
L’eau
L’eau est dans la composition chimique de la peinture acrylique, mais c’est aussi l’élément que l’on utilise pour la diluer, dissoudre et nettoyer la peinture et nos outils. Alors que si nous comparons avec la peinture à l’huile, elle est à base d’huile (AHAA) et se nettoie et se dilue avec un solvant spécial(médium inodore ou white spirit) et de latérébenthine.
L’acrylique se dilue à l’eau, OUI ! Mais attention à la dilution. On ne doit pas dépasser 25% d’eau pour 75% de peinture. Ce qui équivaut a 1/4 d’eau pour 3/4 de peinture maximum.
Acrylique trop diluée
Nous aborderons ce sujet plus en détail dans le prochain article : Les caractéristiques (à venir très très bientôt).
Les pigments
Crédit photo : Dan Brady | www.flickr.com/photos/11853009@N07/1382064
Les pigments sont des poudres colorées qui déterminent les différentes caractéristiques de la couleur choisie, telles que :
la couleur,
l’opacité / la transparence,
la résistance à la lumière (appelée aussi solidité à la lumière)
le pouvoir colorant,
influence le prix et la série (étiquette, qualité)
La couleur
La couleur est déterminée par les pigments utilisés dans la composition. Un pigment bleu donnera une peinture bleue … Logique HAHA … Les pigments peuvent aussi être mélangés entre eux et ainsi créer une multitude de nuances et de camaïeux. Pour le plus grand plaisir de nos yeux et de notre créativité.
L’opacité ou la transparence
Cette caractéristique est dans la nature du pigment choisi (donc de la couleur). Elle fait partie de son "ADN". Un peu comme pour nous les humains, moi par exemple c’est dans ma nature d’être brune. Donc si une couleur est transparente cela n’a rien avoir avec la qualité de la marque, mais c’est bien dans la nature de cette couleur d’être transparente.
Cependant, les marques peuvent venir influencer plus ou moins cette caractéristique.
Nous verrons dans l’article Symboles et légendes des étiquettes, comment savoir si le tube de peinture que nous avons en main est transparent ou opaque.
La résistance à la lumière
La résistance à la lumière (ou solidité à la lumière) est elle aussi influence par les pigments choisis dans la composition de la couleur. Cette qualité correspond à ce que l’on pourrait appeler la durée de vie d’une couleur lorsque cette dernière est exposée à la lumière.
Avec le temps certaines couleurs pâliront jusqu’à même disparaître. C’est le cas notamment des couleurs fluo.
Cette caractéristique fait elle aussi partie de "l’ADN" des pigments. Elle aussi peut être modifiée par les fabricants.
Nous verrons également dans l’article Symboles et légendes des étiquettes, comment savoir si notre couleur est résistante a la lumière ou non. Dans tous les cas, heureusement pour nous, une couche de vernis adapté nous permettra de contrer le "vieillissement" de nos couleurs.
Le pouvoir colorant
Le pouvoir colorant est le pouvoir d’influence d’une couleur sur une autre couleur. Il est déterminé par le type de pigment, la quantité de pigments et le raffinement du broyage. Plus on broie le pigment, plus son pouvoir colorant est élevé. Plus le pouvoir colorant d'une peinture est élevé, moins il faut de pigment pour influencer une autre couleur.
Par exemple, il nous faudra un tout petit peu de noir pour teinter notre blanc en gris.
En revanche, il nous faudra beaucoup plus de blanc pour amener notre noir vers le gris.
Le noir a un pouvoir colorant beaucoup plus fort que le blanc.
Cette notion est très importante à maitriser lorsque l’on veut mélanger nos couleurs.
Les premières sources de pigments étaient d’origine animale, végétale ou minérale. Aujourd’hui la grande majorité est de fabrication synthétique.
Dans cette grande famille des pigments, il y a des pigments qui coutent plus cher que d’autres. Ceci va influencer la qualité de la couleur choisie et de fait, le prix.
Nous aborderons ce point également dans l’article Symboles et légendes des étiquettes, et dans Les différentes qualités.
Ces poudres magiques ne dissolvent pas dans l’eau.
Pour pouvoir les répartir, il est nécessaire de les broyer et de les étendre dans un liant.
L’action de broyage influence aussi la qualité de la couleur. Plus les pigments sont broyés, plus les couleurs seront vibrantes et riches.
Le liant
Le liant est une émulsion d'eau et de résine acrylique (polymère). Dans ce composant aussi, il y a différentes qualités, différentes viscosités , textures et différents finis.
Ces différences agiront sur les résultats des effets recherchés et les techniques utilisées.
Elles influenceront bien évidemment nos préférences en tant qu’artiste … et notre budget.
Et voilà, j’espère que ce premier article aura répondu à quelques questions que l’on peut se poser, surtout lorsque l’on débute avec la peinture acrylique.
C’est ici que se termine notre premier article d’introduction à cette série sur l’acrylique.
On se retrouve dans le prochain article :
Si vous avez des questions, des commentaires, inscrivez-les juste en dessous. Vous pouvez aussi me les adresser par courriel. J’y répondrai avec plaisir.
D'ici là, amusons-nous dans nos univers colorés.
Prenez soin de vous.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/pour-bien-commencer-lannee-20212020-12-31T13:23:53-05:002020-12-31T13:23:53-05:00Pour bien commencer l'Année 2021Edwidge De Mota
J’espère que cet article vous trouve en bonne santé !
Que cette nouvelle année puisse nous amener lumière et paix dans nos coeurs.
Et pour bien commencer l’année, j’ai envie de nous stimuler un peu. Alors voici pour vous, une source d’inspiration pour des petites créations quotidiennes.
J’espère que cet article vous trouve en bonne santé !
Que cette nouvelle année puisse nous amener lumière et paix dans nos coeurs.
Et pour bien commencer l’année, j’ai envie de nous stimuler un peu. Alors voici pour vous, une source d’inspiration pour des petites créations quotidiennes.
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Vous pouvez aussi faire une capture d'écran depuis votre téléphone pour l'avoir toujours avec vous.
L’oeuvre présentée ce mois-ci est le bel « Edelweiss ».
Cette fleur iconique des Alpes et de la Suisse particulièrement symbolise l'Aventure, la Noblesse de l’Âme et l'Amour Profond. Je me suis dit que ça commencerait bien cette nouvelle année.
Ces petits challenges créatifs sont des exercices bien répandus pour déclencher l’action créative. Et qu’on se le dise, il n’est pas rare d’avoir envie de créer, mais de ne pas savoir quoi entreprendre. Cette situation est d’ailleurs l’un des obstacles majeurs à l’expression de notre instinct créatif.
Le deuxième obstacle bien répandu c’est le manque de temps. Et pourtant, créer en fonction de nos disponibilités, c'est très simple, beaucoup plus simple qu'on ne le pense.
En fait peu importe que l'on ait 5 minutes ou 2 heures. Tout est possible.
Ce genre de petit challenge nous facilite la connexion à l’inspiration.
C’est un appel direct à notre muse. Et cette conversation pourrait se faire comme ça :
« Coucou ! Bonjour ! Aujourd’hui, nous sommes le 16 janvier est c’est écrit « Chauffage ». Ça te fait penser à quoi « chauffage » toi ? Électrique, bois ou gaz? Moderne ? Antique ? Un petit regard autour de nous ou peut-être une petite recherche visuelle sur le net et Hop !
Si le mot du jour ne nous inspire pas tant que ça, nous avons l’option de l’écrire de manière fantaisiste, calligraphie ou graffiti, etc. Toutes celles et ceux qui aiment le lettering auront beaucoup de plaisir. Ce qui sera un bon exercice notamment pour le 9 janvier avec le chiffre 01.
Le matin en prenant notre café, un petit gribouillage sur le carnet qui traîne, ça commence bien la journée. Durant une pause sur un post-it avec un stylo, ça relaxe. Ou le week-end sur un « vrai support » avec les "vrais outils"… ce qui importe c’est la régularité.
Quels sont les avantages d’avoir une pratique régulière ?
Tout d’abord, cela nourrit la confiance de notre artiste.
Cela diminue les chances d’être bloqués, d’avoir une envie de créer et de ne pas savoir quoi faire ou comment faire.
Des petits challenges comme celui-ci nous aident à garder notre sens de l’observation en éveil.
Être toujours aux aguets afin d’apercevoir la moindre beauté qui nous entoure, une lumière du matin qui vient se déposer sur une tasse de café, une fleur qui éclot, le vert de cette feuille qui nous apparaît différent aujourd’hui.
Notre quotidien fourmille de pépites pour notre instinct créatif.
Et là, encore c’est en le nourrissant un peu chaque jour qu’il se dévoile et s’affirme.
D’ailleurs, nombreux parmi vous se rappelleront avoir appris comment faire ce doux Edelweiss dans le mini cours « Le défi du Jardin des encres ». Si vous n’avez pas encore suivi le cours et que cela vous intéresse, je vous y encourage, en cliquant ici. D’autant plus que j’ai décidé de laisser encore le rabais de 40% après tout ma quarantaine continue 🤪, il n’y a pas que la mienne d’ailleurs (Chut ! LoL!)
Quelle magnifique habitude !
En plus, cela nous rend plus joyeux … Oui, je vous le jure, c’est prouvé !
Et pour celles et ceux qui préfèrent l’abstrait, je vous partage un petit truc, en lisant le mot du jour que vous évoque-t-il ?
Des couleurs, des sensations, des gestes, des formes (même floues) … et hop ! Voilà notre point de départ …
Ce petit truc d’ailleurs ne doit pas être exclusif à ceux qui aiment l’abstrait. C’est un exercice un peu rationnel, mais surtout émotionnel qui nous permet de nous connecter à notre essence.
Oh ! Je tiens aussi à préciser que ce genre de challenge n’est pas là pour nous mettre de la pression. La vie nous en donne assez.
Nos rendez-vous créatifs doivent être un plaisir, une source de relaxation, d’apprentissage et d’excitation … Bon, c’est vrai que parfois, la frustration peut se montrer aussi … Mais ainsi va la vie des apprentis que nous sommes.
Comme le disais Henry Ford :
La seule véritable erreur est celle dont nous n’apprenons rien.
Et en toute honnêteté, je ne le ferai pas moi-même tous les jours.
Si l’on y arrive tant mieux, sinon ce n’est pas grave.
Tant que la pratique reste régulière, plusieurs fois dans la semaine, ce sera bien.
Il y a des jours où nous sommes plus inspirés que d’autres.
Des jours où nous sommes plus fatigués que d’autres.
Il y a des mots qui nous inspireront plus que d’autres.
Ma philosophie est d’embrasser chacune de ces journées, de les accueillir comme elles arrivent. De faire de notre mieux, de choisir notre bonheur.
Alors sur ces belles paroles, allez HopHop !!! J'ai très hâte de voir vos créations et de vous partagez les miennes.
Rendez-vous sur Instagram.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/ma-palette-et-mon-nuancier-aquarelle2020-05-31T18:12:00-04:002020-06-01T11:07:05-04:00Ma palette et mon nuancier AquarelleEdwidge De Mota
Avec l’arrivée du printemps, les belles températures et la nature qui s’éveille; voilà de quoi bien nourrir notre inspiration. On a envie de sortir, de profiter de l’extérieur et de prendre des couleurs. Alors on veut prendre des couleurs un peu sur notre peau … et nos peintures préférées avec nous HIHI! Et quel médium...
Avec l’arrivée du printemps, les belles températures et la nature qui s’éveille;voilà de quoi bien nourrirnotre inspiration. On a envie de sortir, de profiter de l’extérieur et de prendre des couleurs.
Alors on veut prendre des couleurs un peu sur notre peau … et nos peintures préférées avec nous HIHI! Et quel médium idéal pour nous accompagner partout que l’aquarelle.
D’ailleurs vous avez été plusieurs à me questionner à ce sujet. Alors je réponds à vos questions. Et je vous présente quelques-unes de mes astuces chouchous pour utiliser la peinture aquarelle quelque soit l’endroit où l’on se trouve.
1e Question: Mais quelle est cette palette ?
Vous trouverez les liens pour vous la procurer ci-dessous*.
La palette de Meeden est complètement personnalisable, on la remplit avec NOS aquarelles favorites. Et je trouve cela fabuleux, parce que personnellement, j’aime les couleurs de plusieurs marques. J’aime aussi pouvoir varier mes aquarelles selon mes inspirations, les sujets, les saisons. Et ces palettes nous permettent toutes ces flexibilités.
Le fabricant nous offre plusieurs options :la couleur de la boîte, le nombre de godets, et avec ou sans godet.
Cela fait maintenant plus d’un an que j’utilise ces deux palettes et j’en suis extrêmement contente. Le métal est émaillé ce qui est très agréable pour les mélanges.
Elles sont de très bonne qualité, bien résistantes aux chocs.
Très pratiques autant à l’intérieur qu’à l’extérieur.
2e Question : Quel est ce nuancier ?
Bien détaillé dans la vidéo, ces nuanciers sont métalliques. J’ai développé cette idée pour pouvoir changer mes échantillons en fonction des godets qui sont utilisés.
Liste du matériel :
D’aimants :
Une plaque magnétique (disponibles dans les rayons de créativité, pour coller une photo dessus). Ce type de plaque se découpe très facile avec des ciseaux ou une lame.
Pour les aimants qui seront déposés derrière les échantillons en papier. Choisissez des aimants avec un côté adhésif. En fonction de ce que vous trouverez en magasin, vous pouvez prendre une des options suivantes :
une plaque et la découper ensuite,
prendre des aimants en rubans
des morceaux déjà prédécoupés (option vraiment plus facile et rapide ;-).
Dans tous les cas, assurez-vous que les dimensions des aimants s’adaptent à un des côtés des échantillons, soit 1,5 cm ou 2 cm.
Feuille de papier aquarelle
Prenez le même que vous utilisez habituellement. Pour que le résultat de l’aquarelle soit identique, afin de bien être guidé.
Feuille d’Acetate : pour protéger des déplacements ou des dégâts
Stylo permanent, pointe fine
Crayon mine et règle
Vos tubes d’aquarelles préférées
Étapes :
Étape 1 : Avec le crayon et la règle, dessinez vos cases d’échantillons sur votre papier aquarelle. Les dimensions des échantillons de papier pour les deux tailles de palette sont identiques : 1,5 x 2 cm
Étape 2 : Avec le stylo permanent, écrivez les références de vos aquarelles préférées. Si vous avez plusieurs marques, comme moi, je vous suggère d’écrire les marques en plus de la couleur.
Étape 3 : Déposez vos aquarelles sur le papier, en prenant soin que les couleurs ne se touchent pas afin qu’elles ne se contaminent pas. Si vous manquez de contrôle pour cette étape, je vous suggère de découper le papier avant. Laissez sécher.
Étape 4 : Découpez la plaque aimantée.
Dimensions de la grande plaque qui supportera tous les échantillons :
pour la grande palette : 10 x 20 cm
pour la petite palette :
Si vous avez besoin de 2 rangées :4,5 x11 cm
Si vous avez besoin de la 3e rangée, située dans le centre : 5,5x11 cm
Pour les aimants à l’arrière des échantillons, les dimensions de découpe varieront selon le produit que vous aurez trouvé.
Étape 5 : Collez les aimants sur les morceaux de papier
Étape 6 : Découpez la feuille d’acétate
Grande palette : 20 (côté A) x 22(côté B) cm
Petite palette : 11 (côté A) x 11 ou 13 cm (côté B) (selon si vous utilisez la rangée centrale ou pas).
Sur votre côté B, plier à 2 cm (comme pour faire une enveloppe). Ensuite plier le reste en 2 parties égales.
Voilà, j’espère vous avoir donné l’envie de bien organiser vos aquarelles.
C’est tellement plus inspirant et facile quand c’est pratique.
Ainsi on se concentre sur l’essentiel : le plaisir de créer.
Si vous avez des questions, des suggestions, des commentaires …
J’y répondrais avec plaisir !
Si vous avez besoin de vous équiper, voici quelques suggestions d'achat dont j'apprécie la qualité des produits*.
* Cet article et la vidéo ne sont pas commandités par le fabricant. J’ai payé mes produits et c’est un avis très authentique que je vous partage.
Les images de produits sont reliées au site Amazon - Canada.
Si vous utilisez ces liens pour vos achats, cela ne changera pas le prix de vos articles, et je bénéficierai d'une petite commission. Ce qui m'aide à continuer de vous partager ma passion. Toute ma GRATITUDE !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/etincelles-didees-inktober-jardin-des-encres-20192019-09-30T17:49:00-04:002020-05-26T13:48:19-04:00Étincelles d'idées : Inktober | Jardin des encres 2019Edwidge De Mota
Il y a un PHÉNOMÈNE qui circule dans le monde des créatifs : "Inktober". Une initiative propulsée par l'artiste Jake Parker qui invite à créer en utilisant de l'encre. Je trouve l'idée géniale, en revanche généralement, les sujets proposés m'inspirent guère. Alors si toi aussi, tu es fan des encres, et si tu coloré-e et joyeux-se, comme moi, je te propose mes "Étincelles d'idées" sur une de mes thématiques favorites le "Jardin des encres"... Bien sûr !
Demain, c'est le mois d'octobre et depuis quelques années, il y a un PHÉNOMÈNE qui circule dans le monde des créatifs : "Inktober".
Une initiative propulsée par l'artiste Jake Parker qui invite à créer en utilisant de l'encre.
Je trouve l'idée géniale, en revanche généralement, les sujets proposés m'inspirent guère. Alors si toi aussi, tu es fan des encres, et si tu coloré.e et joyeux.se, comme moi, je te propose mes "Étincelles d'idées" sur une de mes thématiques favorites le "Jardin des encres"... Bien sûr !
C'est demain que ça commence !
L'idée première du défi est d'être stimulé.e à créer tous les jours. Donc .... À tes crayons et tes flacons ... Prêts ???... Partez !!!! HAHAH !!
Bon maintenant, dans la vraie vie de ceux qui travaillent 35h à 40h /semaine et qui ont éventuellement des enfants (devoirs, bain, cours de ceci ou de cela) .... Comment fait-on ? Et bien on fait ce que l'on peut ... LOL
Une astuce que j'aime beaucoup avec les défis, c'est de les faire petits. Des petites vignettes ou un petit cahier, en buvant le café, le matin ou la tisane, le soir. Ça prend 10 min en moyenne ... Sérieux ! 10 minutes !!!
Avec des stylos, des feutres, des marqueurs acryliques ... ou plus si affinités et disponibilités ..
L'important c'est de laisser circuler cette énergie créatrice en nous ....
D'ailleurs durant ce défi, je partagerai mon énergie créatrice en direct, 1 fois par semaine, sur mon groupe privé Facebook (Instinct créatif avec Edwidge De Mota). Et ça commence demain, mardi 1er octobre autour de 15h (heure de Montréal).
Alors si la motivation est là et bien tu es invité.e à être audacieux.se et à partager tes créations.
Sur Instagram : #jardindesencres2019 #jardindesencres @edwidge.dm
Sur mon groupe facebook : Instinct créatif avec Edwidge De Mota. Généralement le groupe est réservé aux participants de mes ateliers ... mais là pour ce défi, j'ouvre les portes à toutes les âmes créatrices positives, respectueuses et bienveillantes.
Tu trouveras ci-dessous la feuille, si tu veux l'imprimer.
Si tu veux apprendre à maîtriser les encres, voici le lien pour mon cours en ligne. Clique ici.
Pour enregistrer et imprimer ma fiche, clique une première fois sur l'image. Elle apparaîtra en tout petit. Clique simultanément sur (Ctrl + clique droit de ta souris). Elle va s'enregistrer sur ton ordinateur, ensuite tu pourras l'ouvrir et l'imprimer comme n'importe quelle image ... Amuses-toi !
Et enfin, si tu veux voir à quoi ressemble les défis de Jake Parker et de son #inktober2019, voici la traduction faite par :cfsl.net
J'ai très hâte de découvrir quelles seront tes créations ... À très bientôt !!
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Mise à jour : ce premier défi a été un beau succès !
À tel point que j'ai décidé d'en faire 2 cours en ligne :
Pour une durée limitée, il y a un coupon 40% offert.
Et oui, c'est pour fêter mes 40 ans ... la quarantaine en quarantaine !!!
Rejoins-moi et amusons-nous ensemble !!
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/transfert-dimage-2-methodes-2-marques2019-06-26T15:40:00-04:002019-06-27T17:23:21-04:00Transfert d'image - 2 méthodes - 2 marquesEdwidge De MotaVous aimeriez insérer une image, une photo ou vos dessins sur vos créations ? Vous aimeriez savoir faire un transfert d’image ? C’est ici que ça se passe !
Vous aimeriez insérer une image, une photo ou vos dessins sur vos créations ?
Vous aimeriez savoir faire un transfert d’image ?
C’est ici que ça se passe !
Transfert d'image - Matériel
L’image
Première clé dans votre matériel pour bien réaliser cette technique d’art est la photocopie de votre image source. Cette photocopie doit nécessairement être faite avec une impression laser. Vous pouvez le faire soit à partir d’une imprimante laser « maison » ou à partir d’une photocopieuse d’un centre d’impression, d’une bibliothèque ou du bureau (Chut ! ;-) ).
Attention, lorsqu’on utilise une impression jet d’encre (ce que l’on a généralement à la maison), le transfert d’image fonctionnera en partie et l’image perdra énormément de détails et de précision.
Deuxième point à considérer lorsqu’on fait un transfert d’image, c’est que la technique va inverser le sens de l’image et créer ainsi un effet miroir. Selon votre sujet, il sera nécessaire de faire une rotation horizontale à l’aide d’un logiciel ou d’une application de retouche d’images.
Médium acrylique mat
Pour cette technique je préfère utiliser les qualités professionnelles Liquitex ou Golden. D’ailleurs dans cette vidéo nous comparerons deux méthodes en utilisant ces deux marques.
Si vous utilisez une médium acrylique brillant, cela fonctionnera aussi, mais le fini brillant, risque d’empêcher l’adhérence des techniques que vous pourriez appliquer par la suite.
Les médiums de qualités « étudiantes » fonctionneront, mais là encore, on perd de la qualité dans le détail.
Autre matériel
Un pinceau large pour appliquer rapidement le médium
Une carte en plastique (comme celle des cartes cadeaux) ou une spatule ou une raclette, n’importe quel outil plat et propre qui nous permettra d’appuyer sur le papier sans le déchirer et de retirer le surplus le médium.
Un chiffon
Un support : papier aquarelle ou mixed media, une toile, un panneau de bois, etc. Sur le verre et le plastique, je n’ai pour l’instant pas encore essayé, mais je sais que cela se fait. Ilest fortement recommandé de bien nettoyer votre surface avec de l’alcool avant d’appliquer la technique de transfert d’image afin d’assurer une adhésion optimale.
1ere méthode avec Liquitex - médium acrylique mat
Étapes :
Appliquer le médium directement sur le support à l’endroit où vous voulez faire le transfert.
Déposer la photocopie face contre support. Il faut que l’encre de la copie soit en contact avec le médium. C’est donc l’inverse d’un collage.
À l’aide de la carte en plastique, s’assurer que le papier soit bien encollé. On en profite aussi pour retirer les bulles d’air, en appuyant du centre vers l’extérieur.
Attention après chaque passage, le médium acrylique « en trop » sera expulsé sous la pression de votre carte. Il est nécessaire d’essuyer votre carte avec le chiffon entre chaque passage. Sinon, on remettra du médium par-dessus l’image, ce qui empêchera le transfert d’image de se faire.
Laisser sécher. Avec le médium de Liquitex, il est recommandé de laisser sécher 4 à 6 heures minimum avant de passer à la prochaine étape. Cette durée varie en fonction du taux d’humidité de l’environnement de travail. Dans mon cas, je préfère attendre 24 heures.
Ensuite, on mouille le papier à l’aide d’un vaporisateur ou d’un vieux chiffon très mouillé
On « épluche » le papier en frottant dessus.
2eme méthode avec Golden - Le médium mat fluide
On reprend les mêmes étapes que dans la première méthode, excepté le temps de séchage. Car grâce à ce produit, on peut attendre seulement 2 minutes !!!
Ensuite, on retire le papier. Au besoin on peut mouiller le papier comme dans la première méthode.
Résultats !
WOW ! Je suis impressionnée par la rapidité du transfert d’image effectué avec le médium fluide mat de Golden. En revanche, je me suis aperçue qu’en travaillant si rapidement, certains détails peuvent se défaire.
Donc en fonction du sujet à représenter, si nous voulons être certain-e-s de conserver tous les détails, comme dans un portrait, il vaut mieux attendre 24h.
Ensuite, après avoir fait un transfert d’image on peut continuer notre création avec toutes sortes de techniques et de médiums.
Sur cette création, que j'ai appelé "Tout est relatif", j’ai utilisé un mélange d’encres.
Ici dans cette création "Arbre de vie 3", j’ai appliqué une technique mixte « complète » (peinture acrylique, encres, feuilles d’or, pastels)
Si les encres t'intriguent et que tu ne sais pas comment faire. Je t'invite à aller voir cette vidéo sur le sujet (clique ici). Également saches que je te propose un cours en ligne très complet pour apprendre à les explorer. Si cela t'intéresse, clique ici.
Alors as-tu testé une de ces techniques ? Un de ces produits ? Peut-être utilises-tu une autre méthode ? Tu peux nous partager ton expérience dans les commentaires. Je suis impatiente de te lire.
À bientôt !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/comprendre-le-cercle-chromatique2019-03-08T16:35:00-05:002021-12-12T14:50:56-05:00Comprendre le cercle chromatiqueEdwidge De MotaIl arrive parfois que nous ayons des doutes lorsqu’il faut mélanger deux couleurs pour en faire une troisième ou encore associer deux voir trois couleurs différentes. Pour traverser ses doutes, il existe un outil très aidant : le cercle chromatique. Encore faut-il le comprendre ;-)
Le mélange des couleurs est souvent instinctif. Nous sommes entourés tout le temps de différentes associations que ce soit dans la nature ou dans nos vies quotidiennes (mode, la décoration, la publicité). Nous y sommes habitués. Cependant, il arrive parfois que nous ayons des doutes lorsqu’il faut mélanger deux couleurs pour en faire une troisième ou encore associer deux voir trois couleurs différentes. Pour traverser ses doutes, il existe un outil très aidant : le cercle chromatique. Encore faut-il le comprendre ;-)
source : cercle-chromatique.com
Le cercle chromatique est composé de 12 couleurs principales qui se divisent en 3 familles:
les couleurs primaires, les couleurs secondaires et les couleurs tertiaires.
Cercle chromatique de Joannes Itten
Les couleurs primaires
Les couleurs primaires sont : bleu, rouge, jaune.
Dans la théorie scientifique, les couleurs primaires sont les couleurs de base, à partir desquelles on peut obtenir l’ensemble des autres couleurs en les mélangeant les unes aux autres.
Étrangement en peinture les couleurs primaires ne sont pas des couleurs pures. Elles sont fabriquées à partir de plusieurs pigments (dont souvent un mélange avec du blanc) et dans le but d’expliquer et de démontrer la théorie des couleurs et nous permettre d’apprendre commentutiliser les couleurs (en mélange et en association).
On retrouve les appellations de couleurs primaires généralement dans les gammes plus étudiantes ( bleu primaire, rouge primaire (rouge rosé) et jaune primaire).
Dans les qualités professionnelles, les fabricants utiliseront généralement les pigments à l’état pur et utiliseront les véritables noms des pigments pour identifier les couleurs.
Bleu primaire ou Cyan = Bleu phtalo nuance rouge + blanc de titane
Rouge primaire = Magenta + blanc
Jaune primaire = Hanza (connu aussi sous arylide) ou Cadmium + blanc
Les couleurs secondaires
Lescouleurs secondaires sont vert, orange, violet. Elles sont issues du mélange de deux couleurs primaires. Il est souvent recommandé de faire un ratio de 1:1 des couleurs primaires concernées. Mais dans les faits, ce type de mélange donne plus souvent des couleurs ternes et surtout beaucoup trop proches de la couleur la plus foncée, qui a un pouvoir de coloration plus forte.
Donc pour avoir une couleur secondaire plus harmonieuse il faut construire une proportion environ 2:1 ( 2 parts de couleur claire pour 1 part de couleur foncée)
Pour créer la couleur tertiaire, il faudra mélanger une couleur primaire avec une couleur secondaire. En faisant encore attention avec le pouvoir colorant plus faible des couleurs claires.
Les couleurs complémentaires
Les couleurs complémentaires se situent sur le cercle chromatique aux opposés l’une de l’autre. Elles servent à créer des impacts visuels, des contrastes. On les utiliser pour donner l’illusion d’ombres ou pour dynamiser une association de couleurs.
Les couleurs chaudes et froides
La notion de chaleur ou de froideur d'une couleur correspond à un sentiment, une impression. Cette appellation se réfère aux couleurs et aux teintes tirant respectivement vers l'orange pour les couleurs chaudes ou vers le bleu pour les couleurs froides.
« Réchauffer » une teinte, c'est lui ajouter une pointe de couleur chaude ; la « refroidir », c'est lui ajouter une pointe de couleur froide.
Et pour nous simplifier la vie, il y a des bleus chauds et des rouges froids ;-). Voici quelques exemples :
Jaunes avec du bleu
(plus froids)
Jaunes avec du rouge
(plus chauds)
Rouges avec du bleu
(plus froids)
Rouges avec du jaune
(plus chauds)
Bleus avec du rouge
(plus froids)
Bleus avec du jaune
(plus chauds)
Hansa
Cadmium moyen
Cramoisi
Cadmium
Cobalth
Cerulean
Cadmium clair
Cadmium foncé
Quinacridone
Vermillon
Pthalocyanine nuance rouge
Phtalocyanine nuance verte
Citron
Jaune indien
Carmin
Venitien
Outremer
Manganese
Bismuth
Jaune de napples
Pyrrole
Indigo, Idanthrene
Bleu de prusse
Ochre
Naphtol
Harmonie des couleurs
Les harmonies sont toutes les nuances qui se trouvent entre deux couleurs primaires. Ces « familles » de teintes sont agréables à regarder puisqu’on conserve une certaine unité.
Harmonie des bleus - jaunes
Harmonie des jaunes - rouges
Harmonie des rouges - bleus
Les valeurs
Les valeurs définissent si unecouleur est claire (très lumineuse = valeur haute) ou foncée (peu lumineuse = valeur basse).
Autres notions de base
Couleur pure est issue d’un seul pigment.
Teinte est une couleur mélangée à partir de couleurs pures.
Tons sur tons sont déterminés à partir d’une seule couleur, à laquelle on ajoute du blanc ou du noir, ou la couleur complémentaire afin d’obtenir des teintes différentes, mais de provenant de la même couleur d’origine. On parle également de camaïeu.
Tons neutres sont des teintes proches des gris.
Contrastes naissent de confrontations visuelles. On peut les créer en associant par opposition deux couleurs complémentaires, les couleurs chaudes et les couleurs froides, une valeur claire et une valeur foncée.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/organiser-les-couleurs-dans-latelier2019-02-15T11:17:00-05:002019-02-15T11:29:30-05:00Organiser les couleurs dans l'atelierEdwidge De MotaOrganiser les couleurs peut rapidement devenir une nécessité lorsqu’on utilise plusieurs couleurs, voir plusieurs nuances dans la même couleur et encore pire lorsqu’on utilise dans plusieurs médiums différents. Pourquoi ceci devient-il nécessaire ? Hum… Je pense que si tu es un peu comme moi, touche à tout, ton atelier...
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Organiser les couleurs peut rapidement devenir une nécessité lorsqu’on utilise plusieurs couleurs, voir plusieurs nuances dans la même couleur et encore pire lorsqu’on utilise dans plusieursmédiums différents. Pourquoi ceci devient-il nécessaire ?
Hum…Je pense que si tu es un peu comme moi, touche à tout, ton atelier déborde vite de tubes de peinture en tous genres et tous formats, assaisonnés de marqueurs, de crayons, de pastels, de bouts de tissus, des papiers, d’aérosols et de je-ne-sais-quoi ramassés par-ci par-là … HéHé !! Je sais que je ne suis pas la seule. ;-) Rassurez-moi là !!!!
Mais voilà, nous avons beau être aux anges dans notre paradis coloré, on peut s’apercevoir avec le temps de certains « inconvénients ». En voici quelques-uns :
oublier qu’on a telle couleur et la laisser se déshydrater dans son coin toute seule.
ne plus se rappeler à quoi ressemble cette couleur une fois qu’elle est appliquée et sèche
ne plus être capable de faire la différence entre ce turquoise de Pébéo et celui-là d’Amsterdam
acheter plusieurs fois le même tube … Yeah ! Yeah !! Je sais que je ne suis pas la seule. ;-)
être en pleine création et ne pas savoir quelle couleur choisir pour continuer (Houlàlà !! Ça, c’est dangereux … c’est un risque de blocage imminent. ;-)
vouloir associer des couleurs entre elles, mais ne pas être sûr(e) du résultat
etc. … Si tu en vois d’autres, s’il te plaît, rajoute-les en commentaires … Pour qu’on puisse s’entraider. ;-)
Alors pour pallier tout ceci voici quelques pistes.
1re solution : Déposer des échantillons
Déposer directement sur les flacons de peinture acrylique un échantillon de la véritable couleur. L’avantage principal est de nous permettre d’anticiper le résultat une fois que la couleur sera sèche. On peut également mieux différencier les nuances dans une même couleur afin de nous aider à choisir la bonne teinte. Comme c’est mon cas et je suis certaine que je ne suis pas la seule. Hein ? Hé!hé!
Ah ! Cette astuce est aussi très aidante sur les pots de texture, gels, etc.
Par contre, je me suis aperçue qu’en pleine création j’avais tendance à oublier les autres types de peinture comme les encres, les aquarelles. Tout simplement parce que les flacons sont rangés dans une autre section de l’atelier. Et mon cerveau a commencé à réfléchir sur ce point.
2e solution : Faire des nuanciers
Voici une habitude des plus pratiques. Premièrement, faire des nuanciers aide à apprivoiser les nouveaux produits que l’on vient d’accueillir avec joie. En revanche, lorsque le nuancier est sur une feuille comme celui-ci cela devient compliqué lorsqu’on achète une nouvelle couleur. On se retrouve à devoir la mettre loin de ses amies. Et notre beau nuancier est brisé, et pire on risque d’oublier les nouvelles couleurs.
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Et puis un jour, j’en discute avec mon amie artiste Sylvie Demers, qui elle aussi rencontrait plusieurs ces mêmes difficultés, particulièrement avec les flacons d’encre. Pour résoudre ce problème, elle a eu l’idée de fabriquer ses petits échantillons sur des petits carrés derrière lesquels elle a collé des morceaux de velcros. Brillant !!! Mais voilà, à l’usage, elle s’est aperçue que cela devient vite fastidieux lorsqu’il faut tout déplacer pour pouvoir insérer une nouvelle couleur. « Tsé » cette fameuse nouvelle couleur …
3e solution : Fabriquer un nuancier magnétique
Delà, m’est venue l’idée d’utiliser une surface magnétique.
La surface m’est apparue un peu au hasard dans un rayon d’articles de cuisine : des ronds de protection de cuisinières électriques. Mettre les échantillons sur ces petits cercles s’est avéré très pratique, pour moi lors de mes déplacements quand je donne des cours. Ils se manipulent très bien et sont peu encombrants. Et je trouve que c’est très beau lorsqu’ils sont accrochés au mur. Dans mon cas, toutes mes peintures s’y retrouvent, qu’elles soient acryliques épaisses, fluides, liquides, encres aquarelles. Ce qui me permet d’éviter d’oublier mes petites amies de l’autre côté de l’atelier. De plus si une nouvelle couleur arrive, c’est très facile de lui faire une petite place. … Bon j’avoue que mes cercles sont bien remplis. Il faudra peut-être que je sépare certaines nuances sur d’autres petits cercles.
La méthode de fabrication :
Si cela t’intéresse voici, comment j’ai procédé pour fabriquer les échantillons. Tout d’abord la liste du matériel :
- Papier aquarelle (qualité étudiante) - Des aimants autocollants - Une perforatrice de même diamètre que les aimants - Un crayon mine - Un stylo permanent - Un gabarit pour cercle (ayant le même diamètre que les aimants) ou utiliser un aimant pour servir de gabarit.
Les étapes :
1. Sur du papier aquarelle (qualité étudiante) et à l’aide du gabarit, je dessine des cercles de la même dimension que la perforatrice (1po de diamètre).
2. Je dépose un peu de peinture dans chaque cercle, en prenant soin d’écrire en dessous du cercle les informations de référence.
3. Une fois sèche, je réécris sur la peinture les informations. Pourquoi pas avant ? Parce que sinon les peintures opaques viennent couvrir les références.
4 . À l’aide de la perforatrice, je découpe les échantillons que je viens coller sur les aimants autocollants.
5. Ensuite, il n’y a plus qu’à s’amuser avec les échantillons pour les organiser de façon harmonieuse à notre oeil.
*** Si tu veux reproduire ce projet et que tu dois acheter l’ensemble de ce matériel, je te suggère d’abord de trouver les aimants autocollants. Ensuite, il sera plus facile de trouver la perforatrice de la bonne dimension. Personnellement, j’ai trouvé les aimants dans la section artisanat d’un magasin « Magi-Prix » pour ne pas le nommer, c’est là aussi où j’ai trouvé les ronds de cuisinière. La perforatrice se trouve généralement dans les magasins d’artisanat et scrapbooking. La règle peut s’y trouver aussi, sinon dans les magasins d’artistes ou certaines papeteries.
Verdict à l’usage : j’adore pour toutes les raisons mentionnées plus haut. Avec les références écrites sur les échantillons, il est facile après de retrouver le bon tube de peinture.
En revanche, là où ça pêche, c’est avec les encres. Surtout parce que les encres ont généralement des bouchons avec pipettes sur le dessus, donc il est plus difficile de les identifier comme on peut le faire sur les tubes ou pots de peinture.
Et si comme Sylvie ou moi, tu as beaucoup de couleurs, il devient vite ennuyeux d’avoir à prendre chaque flacon pour lire chaque étiquette pour savoir où est la couleur.
Et c’est là que Sylvie apparaît avec une autre idée brillante ...
4e solution : Échantillons adaptés
Avec le même principe que le projet nuancier magnétique, mais au lieu de coller les échantillons sur des aimants, on les entaille d’une croix et on les glisse à travers la pipette. Avec cette technique, j’ai constaté que parfois le papier peut se déchirer, mais encore là avec une perforatrice de 3/4 po cela aidera à faire de beaux petits trous au centre et faire passer la pipette sans embûche.
Voici ce que j'en ai fait dans mon atelier :
Facile pour s'y retrouver et pour s'inspirer ... n'est-ce pas ?
À peine, je rentre dans l'atelier et je vois toutes ces merveilles qui pétillent dans mes yeux que j'ai tout de suite envie de les utiliser ... ;-)
Voilà, j’espère que ces quatre solutions auront su créer en toi quelques graines d’inspiration pour que tu puisses toi aussi organiser ton matériel de façon adaptée à tes besoins.
À travers cette expérience, je trouve également fascinant d’observer la créativité résoudre bien des problèmes. Je trouve également merveilleux de constater que lorsqu’on la partage, elle se propage et les solutions se perfectionnent. C’est d’ailleurs le but de ce blogue. ;-)
Si toi aussi tu rencontres ce genre de difficultés, partage-les-nous. Si tu as trouvé des solutions, partage-les-nous … Enfin, j’ai bien hâte de te lire !
À bientôt
Ps : Si tu ne sais pas à quoi servent les encres, je t’invite à la fin de ta lecture à découvrir quelques idées sur cet article.
Et si veux apprendre à te servir de ces magnifiques trésors liquides ... Ça tombe bien, j'ai fait un cours en ligne juste pour ça ... ;-)
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/organiser-son-atelier-a-petit-budget2019-01-31T15:59:00-05:002020-06-19T12:06:42-04:00Organiser son atelier à petit budgetEdwidge De Mota4 Trucs pour les grands papiers, remplacer le chevalet, installer la lumière et protéger les murs et le plancher. Cet article est une réponse à de nombreux courriels que j’ai reçus les derniers mois autour de toutes ces problématiques que nous pouvons rencontrer. Lorsqu’on crée on peut rapidement se retrouver déborder.
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4 Trucs pour les grands papiers, remplacer le chevalet, installer la lumière et protéger les murs et le plancher.
Cet article est une réponse à de nombreux courriels que j’ai reçus les derniers mois autour de toutes ces problématiques que nous pouvons rencontrer.
Lorsqu’on crée on peut rapidement se retrouver déborder par le matériel que nous avons, les créations que nous pouvons accumulées.
Il se peut aussi qu’on manque de lumière et d’espace notamment pour pouvoir installer un chevalet. Vous êtes plusieurs a avoir remarqué certaines de mes stratégies pour pallier ces différents problèmes. Ai-Je aussi parlé d’un manque éventuel de budget. HI!HI!
Je sais que vous êtes nombreux à vous reconnaître dans ces différentes situations alors voici les solutions que j’ai trouvées :
1re astuce - Organiser les grands papiers
Que l’on fasse de l’aquarelle ou de la peinture ou encore du dessin, on utilise du papier, souvent d’un format qui dépasse les bibliothèques ou étagères standards.
Il y a bien sûr pour les plus chanceux ce type de tiroirs utilisés par les architectes, les bibliothèques pour y mettre des plans ou des cartes ou des oeuvres. Mais pour ceux qui ont déjà essayé de s’en procurer, vous avez dû vous frapper à la même réalité que moi : le prix de ces petits bijoux. En effet, cela peut facilement tourner à plus de 500 $CAN (usagé ou neuf).
Si vous êtes un peu bricoleur, vous pouvez vous concevoir un meuble inspiré de ces tiroirs à plans. Personnellement, j’ai préféré une option plus rapide, moins élégante j’en conviens, mais très rapide. Il s’agit de prendre deux bibliothèques basses et du même format.
Les miennes viennent de chez IKEA, leur largeur correspond parfaitement pour les papiers 22x30po / 56x76cm.
Sur l’une d’entre elles, je n’ai pas installé fond. Ensuite je les ai fixées l’une à l’autre avec des plaques de métal.
Pour me rajouter des tablettes supplémentaires, j’ai acheté en magasin de quincaillerie/bricolage des planches de masonite que j’ai fait coupé à la bonne taille. Chez Ikea il en offre à l’unité, mais ça revient beaucoup plus cher. Et voilà !!!!! Vite fait bien fait pour un total de 120 $ si vous les achetez neuves.
2e astuce : Remplacer un chevalet
Je peins beaucoup au mur et sur table. J’ai souvent plusieurs projets en même temps. Et mon espace est assez restreint. J’ai donc décidé de ne pas avoir de chevalet conventionnel et de choisir pour l’option suivante :
Utiliser un système d’accrochage pour les placards et garde-robe.
2 rails à encoche + 2 équerres amovibles + 1 tablette de support et hop ! Hop ! Le tour est joué. Je me suis fait quelques repères avec des washi-tape aux endroits utilisés le plus fréquemment. Cette solution me permet de jouer sur la hauteur avec plus d’options que ne peuvent le faire la majorité des chevalets. Et lorsque je n’utilise pas et si j’ai besoin de plus d’espace, je démonte les équerres et tout disparaît. Le tout pour environ 25 $.
3e astuce : Protéger son espace
Pour protéger les murs, personnellement je n’utilise rien, j’assume et je repeindrai par-dessus. Par contre, vous pouvez vous procurer toutes sortes de surfaces, comme des rideaux de douche, des nappes ou bâches en plastiques que vous pouvez fixer avec quelques clous. Pour ceux qui ont la possibilité, vous pouvez également utiliser du coroplast (feuille de plastique à deux épaisseurs qui ressemblent à du carton). Dans tous les cas, je conseille fortement de les choisir blancs sans imprimer afin que cela ne vienne pas déranger votre oeil et votre esprit lorsque vous créez.
Pour le plancher, un tapis de récupération ou comme moi obtenu à très bon rabais peut très bien faire l’affaire. En plus de protéger votre sol, cela amène une ambiance chaleureuse et plus confortable pour les pieds. Sous le mien, j’ai mis un vieux tapis de yoga, cela le rend antidérapant et donne également un confort supplémentaire. J’ai également récupérer le fond de la bibliothèque Billy que je n’utilisais pas pour protéger le plancher.
4e astuce : Amener de la lumière
Encore une fois, l’essentiel a été trouvé chez IKEA. Je précise que je ne suis pas commanditée par eux LOL ! Les fils (10$/ch) et les ampoules (15$/2pc) très tendances en ce moment Dieux merci !
Pour les ampoules, si vous avez besoin de prendre des photos ou vidéos comme moi, je vous suggère de prendre des ampoules DEL avec éclairage lumière du jour (blanc froid, cela respecte plus les couleurs) et une puissance la plus proche de 5000K. Ce système comporte également des lanternes chinoises en tissus, pour donner un effet plus vaporeux, moins dur à la projection de la lumière et éviter ainsi des ombres projetées trop présentes. Au canada, elles ne sont disponibles que durant l’été.
Le tout a été suspendu grâce à des tringles à rideaux (certaines achetées dans les magasins d’1$ et+). Comme vous pouvez également le voir sur la vidéo, je les installer avec des anneaux de papeterie afin de pouvoir les déplacer au besoin. Dans cette installation ce qui coûte le plus cher est les fils électriques et les ampoules. Personnellement j’ai besoin d’en avoir 6 alors la facture est montée assez vite. Si je compare avec les systèmes lumineux de photographes professionnels, on en trouve maintenant à des tarifs très abordables sur Amazon. J’ai quand même opté pour cette solution en raison de la surface au sol qui m’est très limitée et qui ne me permet pas d’avoir tous les trépieds nécessaires autour de moi. Et puis j’aime l’ambiance que cela crée, un je ne sais quoi un peu bohème et féérique.
Voilà ! J’espère que toutes ces idées auront non seulement répondu à vos questions et vous auront inspirés à vous créer un espace adapté à vos besoins et contraintes.
Mais de grâce, ne passez pas trop de temps à organiser, installer votre espace. Utilisez votre temps juste pour le nécessaire et créez,CRÉEZ !!! C’est en créant que vous aurez également une meilleure idée de vos besoins. C’est en créant que vous trouverez une idée créative pour résoudre votre situation !!!
J’en profite encore pour remercier du fond du coeur tout ceux qui m’ont contactée à ce sujet.
Vous avez d’autres questions, des commentaires sur ce sujet, sentez-vous à l’aise de les inscrire en dessous ou de me contacter. Cela me fait toujours plaisir de vous lire et comme cet article, vous m’inspirez à vous satisfaire !!! Au plaisir les amis !!
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/peinture-intuitive-session-32018-08-22T15:27:00-04:002018-08-22T15:40:32-04:00Peinture intuitive - session 3Edwidge De MotaAujourd’hui, je vous invite à nouveau dans mon atelier pendant la réalisation d’une peinture intuitive. Petit rappel pour ceux et celles qui ne connaissent pas cette méthode
Aujourd’hui, je vous invite à nouveau dans mon atelier pendant la réalisation d’une peinture intuitive.
Petit rappel pour ceux et celles qui ne connaissent pas cette méthode. Comme son nom l’indique, dans le processus créatif d’une peinture intuitive, l’intuition est LE fil conducteur de la création.
Une peinture intuitive se réalise « presque » toute seule. Avant de commencer, nous n’avons pas d’idée préconçue, aucune idée de ce que sera le résultat final. Il est important de laisser au placard les jugements, les critiques, les peurs de tout gâcher, de gaspiller. J’en reparle plus bas.
Durant ces périodes, nous sommes invités à libérer les gestes qui ne demandent qu’à danser. Et c’est dans cette intention que notre corps se décoince une étape à la fois. Les couleurs, les formes émergent une impulsion après l’autre.
Comment commencer ?
Vous ne savez pas comment commencer ? La première étape est la plus difficile. Il faut briser la glace. Maisc’est aussi la plus simple !!! Tout peut être déposé. Tout peut être recommencé …
Osez !
Sans réfléchir, venez déposer la première couleur qui vous passe par l’esprit. Vous ne savez pas quelle forme lui donner. Là encore, ce n’est pas grave. Soyez à l’écoute de votre corps. Votre main, votre bras veulent bouger, suivez-les. Est-ce une ligne ? Un cercle ? Une courbe ?Ne portez aucun jugement … Soyez seulement à l’écoute de ce qui émerge et agissez.
Les premières étapes sont comme les premières minutes d’un entraînement : l’échauffement.
Rien d’exceptionnel n’est attendu.
La pression de la perfection, de la beauté laisse la place à l’amusement. Ramenez votre âme à l’âge de 2-3 ans, et appréciez vos doigts qui pataugent dans les couleurs, dans les textures.
Puis un geste, après l’autre votre surface se remplit.
Variez les outils, les effets, les rythmes.
Au fur et à mesure, le dialogue avec votre intuition s’installe,
votre instinct créatif se réveille et
la confiance arrive.
La confiance dans ce que vous allez faire ou ne pas faire. La confiance que même si en cours de route, vous n’êtes pas satisfait(e) par ces quelques centimètres carrés, vous êtes capable de revenir par dessus, encore et encore …
Je vous ai mis plus bas, plusieurs autres vidéos et articles qui parlent de ces différents sujet.
Prendre le temps
Prendre son temps peut vouloir dire se consacrer un après-midi ou une soirée juste pour ça. Si vous le pouvez, faites-le ! Si votre situation est plus contraignante (« genre, tsé » la vie de famille ;-) Peut-être que ce luxe temporel sera moins grand. Quand bien même, si cela doit être 15 - 30 min, sacralisez-les ! Installez-vous sur une plus petite surface. Mettez une alarme au besoin, et entrez dans le temps.
Vous le verrez, un miracle se produit lorsque nous entrons dans cette zone : le temps s’arrête ! Littéralement.
Prendre le temps, c’est aussi faire des pauses, prendre du recul face à ce qui est en train de se créer.
Nos actes initient des effets, mais les réactions et les résultats vivent par eux-mêmes. Prenez le temps de les observer, de les écouter.
S'installer
Installez-vous confortablement dans des vêtements « doudou » qui ne risqueront pas d’être tachés. Mettez la musique qui vous inspire à ce moment même. Je ne le répèterai jamais assez, soyez vigilant à ce que vous écoutez pendant votre création. La musique influence nos émotions. Ayez une intention de vous sentir bien ou mieux après votre création.
Si vous ressentez le besoin d’accueillir, voire d’exorciser des émotions déplaisantes, allez-y. Et assurez-vous de terminer par quelques chansons qui vous apportent de la paix et de la joie. ;-)
Votre peinture intuitive en sera d’autant plus enrichie.
La peur de rater et de gaspiller.
Je parlais plus haut de la peur de gâcher, de gaspiller le matériel, la toile. Cette peur, je l’entends presque à chaque fois chez mes clients. Je l’ai d’ailleurs affronté pendant une bonne période dans mes débuts. Certes, le matériel a un coût. Mais il ne faut pas que ce soit un obstacle à l’expression de votre âme créatrice.Le matériel pour enfant peut être une excellente option. Sachez toutefois que plus votre matériel sera de bonne qualité, plus cela va influencer le processus. Généralement, lorsque le matériel est de qualité professionnelle, il est très agréable à utiliser. Les textures ont une application douce et soyeuse et les couleurs sont riches et vibrantes. Tous les sens sont en éveil.
Dans mon cas, je commence toujours avec des couleurs acryliques de qualité étudiante (beaucoup moins onéreuse) et je termine avec de la qualité professionnelle. Les couleurs sont tellement plus intenses.
En ce qui concerne le support, si la toile vous intimide, je vous invite fortement à aller lire l’article que j’ai écrit sur le sujet: Peindre sur le papier ou la toile
Comme vous le constaterez dans la vidéo, personnellement, je choisis le papier ;-)
Quel le matériel utiliser ?
La réponse va être très simple : prenez ce qui vous passe par la tête, ce que vous avez déjà.
En ce qui me concerne dans cette vidéo, voici ci-dessous ce que j'ai utilisé.
Ce que vous voyez dans la vidéo est ce que l’on appelle une technique mixte ou « mixed media » en anglais. Ce qui veut dire que j’utilise plusieurs sortes de médiums. En voici la liste :
peinture acrylique qualité étudiante et professionnelle
encre acrylique
acrylique en aérosol (ceux de la marque Pébéo sont sans odeur, ce qui me permet de les utiliser aisément dans la maison )
marqueur acrylique
marqueur à huile
pastels secs
Les outils et auxiliaires que vous me voyez utiliser :
spatule en silicone
eau dans pulvérisateur
efface à 2 embouts (pour effacer la peinture encore fraîche, écrire et sculpter)
mes précieux doigts.
La création que vous voyez m’aura pris plus de 5 heures au total
Il y a eu de nombreuses couches qui se sont accumulées. Parfois pour recouvrir complètement, parfois pour parfaire et raffiner.
Entre vous et moi, je suis très contente du résultat. Mais cela aura pu être différent et ce n’était pas important. Créer est un besoin, un instinct de survie, notre instinct créatif !
Si vous êtes en train de lire ceci, c’est que nous sommes issus de la même tribu. Nos ancêtres étaient ceux qui ont illustré leur quotidien en décorant leurs grottes. ;-)
Si à l’issue de votre lecture, si vous avez des questions, des commentaires, soyez libres de me les adresser. J’y répondrais avec plaisir.
J’espère vous avoir inspiré(e) à créer avec fougue, passion et courage.
Si vous pensez que ceci peut inspirer quelqu’un de votre entourage, partagez cet article/vidéo.
Au plaisir de vous lire ! Si vous voulez m’envoyer les photos de vos créations, sentez-vous à l’aise. J’adore ça. ;-)
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/decouvrir-les-encres-acryliques2018-07-26T08:28:00-04:002019-06-28T16:32:46-04:00Découvrir les encres acryliquesedemota AdminPlus]]>
Découvrir les encres acryliques et apprendre à les utiliser
Aujourd’hui, on se transforme en savant un peu fou ! Et on va explorer les encres acryliques à base d’eau. Beaucoup de plaisir en vue, de découverte et de lâcher-prise. C’est vraiment un des gros plaisirs de ce médium. Aucune attente dans le résultat. On explore comme un enfant avec des « gribouilles » et des « patouilles » et on observe les merveilles qui se révèlent.
On commence notre expérience sur du papier pour aquarelle. On dispose une seule goutte d’une encre acrylique, tout de suite après on pulvérise un petit peu d’eau. Immédiatement, la magie opère. En déplaçant le support dans tous les sens, l’encre s’écoule et laisse sa trace aléatoire.
À l’aide d’un pinceau chargé d’eau, on laisse glisser la main selon l’inspiration.
Personnellement, c’est toujours des feuilles et des fleurs qui doivent être cachées dans mon cerveau, c’est toujours ça qui sort en premier 😉
Avec un petit peu d’alcool, l’encre se disperse d’une façon différente à celle de l’eau.
Autre façon de procéder :
On applique de l’eau en premier, par la suite on vient déposer une goutte d’encre. L’eau agit en aidant à disperser et fusionner les couleurs entre elles.
L’effet est hypnotique, on pourrait regarder cela pendant des heures.
Par la suite, on peut ajouter par-ci par-là des grains de gros sel, cela va absorber un peu le liquide. Une fois sec, des constellations apparaîtront.
Les bouteilles avec embout à tête d’aiguilles permettent de tracer, dessiner presque comme une plume. Par contre, on contrôle un peu moins la quantité qui est déversée. Ainsi il se peut que des gouttes se créent, en revanche le flot a une grande réserve. L’avantage est que nous ne sommes pas obligés d’aller recharger presque à chaque trait (comme une plume).
Les couches s’accumulent créant des universsuperposés.
Les Expériences sur du papier TerraSkin
La deuxième expérience est faite sur du papier TerraSkin (papier fabriqué à partir de pierre). Le papier fait réagir les encres, les fait fusionner de façon hallucinante.
Matériel
Papier
Feuille de papier aquarelle – Canson
Papier Terraskin
Encres acryliques
Liquitex :
Vert phtalocyanine (nuance bleue)
Rouge Naphtol Carmin
Daler Rowney FW :
Orange Flamme
Vert Genesis (irisdescent)
Dr Ph. Martin’s – Bombay
Red Violet
Pinceau forme et dimension selon votre inspiration. Dans cette vidéo, j’ai utilisé un pinceau rond d’un diamètre de :1/4 de pc = 8mm
Bouteille à embout à tête d’aiguille.
Eau dans une bouteille avec embout pulvérisateur.
Alcool à friction (70° au mieux 90°)
Sel de table (gros grain)
J’espère que cela t’a donné l’envie de t’amuser toi aussi à faire des « gribouilles » et des « patouilles » très très colorées. Si tu as des questions, des commentaires et des suggestions, ce sera avec plaisir que j’y répondrais.
Si tu penses que cela pourrait inspirer une personne de ton entourage, partage-lui ta découverte.
Au plaisir
Bises colorées
Edwidge
Ps1 : Si tu n’as pas encore reçu ton e-magazine « Instinct créatif- Le guide pour booster ta créativité » Je t’invite à t’inscrire au blogue grâce au formulaire en haut de la page. Toutefois, si tu rencontres des difficultés à la télécharger, tu peux me contacter par email.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/comment-se-debloquer-devant-sa-toile-entamee2018-07-26T08:02:00-04:002018-07-27T04:57:23-04:00Comment se débloquer devant sa toile entaméeedemota AdminPlus]]>
Comment se débloquer devant sa toile entamée ? Est-ce qu’il t’est déjà arrivé de ne pas savoir si ta toile est terminée ou non? Est-ce qu’il t’est déjà arrivé de sentir qu’il manque un je ne sais quoi à ta toile? Ou bien encore, as-tu déjà hésité à rajouter ce petit détail de peur de tout gâcher?
Moi oui ! Dernièrement, plutôt 2 fois qu’1 ! J’en profite donc pour te partager les stratégies que j’ai utilisées.
Quand cela arrive, quoi faire ?
Dans ces situations, je vois 2 options :
1re : Demander conseil
Pour beaucoup, cette solution vient généralement en premier. Pourtant, je la trouve risquée. Non, je ne dramatise pas, pas cette fois AHAHA ! Demander conseil peut mettre en péril le processus créatif qui est en train de se réaliser. Voilà donc pourquoi, personnellement, je ne l’utilise qu’en dernier recours.
Il faut véritablement bien choisir les conseillers. Ces élus n’ont pas besoin de comprendre l’art en général ni de le pratiquer d’ailleurs. La question que l’on doit se poser est : est-ce que ces personnes comprennent NOTRE art, NOTRE style ? Est-ce qu’elles connectent avec les intentions derrière nos créations (même s’il n’y a pas d’intention, c’est une intention ;-)). Avons-nous confiance en elles ? Sont-elles bienveillantes ? Il faut aussi bien choisir le moment de demander ce conseil. Dans quel état est-ce qu’on se sent ? Si l’on est frustré, fatigué, il vaut mieux attendre un autre jour. Notre égo créateur pourrait ne pas s’en remettre. Et il se pourrait que le potentiel chef-d’oeuvre se retrouve au placard, même tailladé … Oui, j’ai déjà vu
!Personnellement, j’attends de me sentir dans un état neutre. Ni trop joyeux, ni trop découragé. Une autre question, à laquelle il faut répondre le plus authentiquement possible : Sommes-nous prêts à entendre véritablement le conseil qui peut nous être apporté ?
Si nous avons bien choisi la personne, si nous sommes dans un état d’âme neutre ; alors ce qui sera dit pourra être utile ou pas, mais n’affectera pas négativement le processus créatif qui est en train de se produire. Peu importe la nature du conseil et notre réaction à celui-ci, il faut garder en tête qui est le créateur. Même les conseilleurs bien intentionnés ont très souvent tendance à faire de projections de ce qu’ils voudraient voir. Ce qui n’est pas forcément ce que l’on veut exprimer, peindre, dessiner … Prenons le temps d’écouter le conseil, de le faire résonner en nous. Est-ce qu’il a du sens pour nous? Ramenons-nous toujours vers notre inspiration initiale, même si l’idée a changé en cours de route, cela reste le fils conducteur. Rappelons Mme Créativité pour qu’elle revienne nous visiter et nous inspirer…
2e option : Attendre et être en conversation avec sa création Je suggère fortement dès le début de la création d’être en conversation avec l’oeuvre / l’expérience. Certains diront, « mais je n’ai rien à entendre » ou encore, « Ah je savais bien qu’elle entendait des voies celle-là !» 😉 Bon plus sérieusement, converser avec son tableau ou son dessin, relève du subtil.
C’est une discussion, une danse en duo.
En me basant sur mon expérience personnelle et celles de mes élèves, je suis convaincue que l’énergie de la créativité ne peut véritablement s’exprimer sans cette approche. Je m’explique, on laisse un premier jet, un premier trait ET on regarde le résultat, puis on continue une séquence après l’autre. Prendre de la distance face aux résultats et face aux intentions préconçues. Au fur et à mesure, c’est prendre le temps d’écouter ce que l’oeuvre a à nous dire, c’est nous laisser guider et la guider, chacun à son tour.
C’est comme lorsque nous rencontrons un(e) ami(e). Nous avons un rendez-vous ensemble. Nous avons une idée globale de ce que nous voulons lui partager et raconter, mais nous n’avons généralement aucune idée de ce que seront ses réactions, ni même des nouveautés qu’il ou elle nous a réservées. Et c’est ainsi que, mot après mot, d’émotion en émotion, nous construisons ensemble un moment partagé. Voilà comment je perçois le processus créatif. Alors si tu suis ma logique, lorsqu’on se retrouve dans une de ces situations, où l’on ne sait plus quoi faire sur notre oeuvre. Est-ce que notre toile est finie ou pas ? Ce n’est seulement qu’un moment de silence, entre notre création et nous. C’est comme un blanc, « un ange qui passe » comme dit le dicton.
Donc notre toile est devenue silencieuse et nous n’avons plus rien à lui dire. Pour l’instant …
Parce que le processus créatif c’est rendre l’invisible visible grâce à nos doigts colorés.
Et bien, attendons … prenons un moment de recul. La durée de cette pause est variable, en fonction de bien des facteurs, notamment notre disponibilité. Quand je dis « disponibilité », je parle de temps, mais aussi d’énergie. Des fois, nous sommes tout simplement fatigués, nous avons besoin de prendre l’air, de retrouver l’inspiration. Et cet état est normal. Rassures-toi. Cela peut être aussi de commencer autre chose, pour mieux revenir sur ce qui a été entamé auparavant. Personnellement, j’ai l’habitude de travailler sur 3 ou 4 créations en même temps. Cela me permet justement de prendre, ce que j’appelle de « la distance créatrice ». Puis lorsque j’y retourne, les yeux, les mains et le coeur sont plus vigoureux. Le danger est évidemment de ne jamais terminer …
Prendre en photo sa création peut aussi permettre de voir et percevoir sous un autre angle. En parlant d’angle, j’ai pour habitude de tourner de 90°, régulièrement mes oeuvres pendant que je les crée. Tu peux voir ou revoir ce dont je parle dans cette vidéo. Ainsi je redonne la parole à mes oeuvres, elles me racontent d’autres choses que je n’avais pas vues jusqu’à présent.
Créer c’est partir en voyage dans un pays lointain et être curieux des chocs culturels qui peuvent survenir, c’est une quête vers l’inconnu. Il y a l’intention originale et il y a les imprévus qui viennent colorer les résultats. Accueillir les bras ouverts ce que les oeuvres vont bien vouloir nous donner, c’est laisser notre âme se révéler.
Tu veux savoir ce qui s’est passé avec les oeuvres concernées. Les 2 créations en question auront nécessité plusieurs mois chacune, c’est assez rare dans mon cas. Surtout depuis que je laisse place à l’intuition et qu’en général quelques heures suffisent à recueillir ce qui doit sortir.
La première « Dahlia » : Tout est parti d’un dessin que j’avais fait spontanément, inspirée des fleurs de magnolia. Je voulais un fond très coloré. J’ai d’ailleurs utilisé des morceaux de mes jolis papiers préférés.
Mais une fois, le tout posé, je trouvais que cela faisait trop chargé. J’ai voulu mettre un voile blanc pour calmer le tout.
Mais non, de fils en aiguille, chaque étape que j’ajoutais ne me satisfaisait qu’à moitié ou pas du tout. Le rose était trop rose, les touches de bleu étaient trop visibles .. etc. J’ai mis du temps à retrouver l’équilibre. Jusqu’à ce que je ressorte mon dessin d’origine.
L’essence de mon inspiration et là les choses sont redevenues plus claires. Et pour celle-ci une fois n’est pas coutume, j’ai demandé conseil. En prenant soin de BIEN choisir les conseillères … ;-). Quant au titre, malgré le fait que la fleur d’origine soit d’un magnolia, la toile ne cessait de me dire « Dahlia » … Je ne me suis pas obstinée ;-). 😉
La deuxième : le fond marin, qui n’a pas encore de titre. 😉
Au départ, je voulais faire un dauphin en plein milieu (animal très symbolique pour moi). J’avais commencé par faire un bel aplat* bleu sur l’ensemble de ma surface. Je pars travailler, en laissant sécher le tableau au sol. J’étais tellement contente d’avoir réussi cet aplat, sur un si grand format (36×40 pc / 92×102 cm).
Voilà qu’à mon retour « l’aplat » a fait apparaître des formes étranges. Impossible de les nier, elles sont « énormes » sur le papier … J’étais en état de choc, totalement déconcertée, moi qui étais si satisfaite le matin. J’aurais pu les recouvrir, mais j’ai décidé d’accueillir ce que l’oeuvre venait de m’offrir. J’ai alors pris le temps d’observer minutieusement, chacune de ces formes. Et je me suis aperçue qu’elles ressemblaient étrangement à d’autres animaux marins : 2 raies mantas et 1 méduse. Ce qui est d’autant plus surprenant c’est que si j’avais voulu faire ces animaux, je n’aurais surement pas réussi aussi bien que ce qui est survenu « miraculeusement ». Malheureusement, les détails, les subtilités, les nuances n’apparaissent pas bien en photo, mais c’est assez spectaculaire. J’ai donc reporté mon rendez-vous avec le dauphin et j’ai accueilli ces 3 invitées imprévues.
Ce qui est très drôle, c’est que les jours qui avaient précédé cette création, j’avais regardé avec les enfants, le film de Disney « Moana ». C’est comme si l’esprit de grand-mère était venue me faire un petit coucou à moi aussi HAHAH !!! . J’ai donc décidé de luis rendre hommage.
La créativité se promène par-ci par-là,
à qui saura lui ouvrir la porte.
Et toi as-tu déjà vécu des expériences de ce genre ? Comment as-tu réagi ? Quelles sont les solutions que tu utilises pour répondre à ces questions : « Est-ce que ma toile est terminée ou non? Je sens qu’il manque un je ne sais quoi à cette création? J’ai envie d’ajouter ce petit détail, mais j’ai peur de tout gâcher? »
J’espère que mes anecdotes imprévues t’auront inspiré à accueillir ces moments de doutes, d’incertitudes et d’imprévus à bras ouverts. Ce sont des cadeaux, bien souvent rigolos, parfois invasifs, c’est vrai. Mais qui nous emmènent là où l’on ne serait pas allez sans eux …
Comme d’habitude, si tu as des questions et commentaires suite à cet article, tu peux les inscrire dans l’espace en dessous ou par courriel (edwidge@edemota.com) Et si tu penses que cet article peut inspirer quelqu’un de ton entourage, partage-lui ta découverte.
* l’aplat est une technique qui désigne le fait d’utiliser une seule couleur pour couvrir une surface de façon uniforme sans nuance, ni dégradé, ni forme.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/picasso-dafrique-aux-ameriques-mes-impressions2018-07-24T06:09:00-04:002018-07-27T04:58:37-04:00Picasso, d’Afrique aux Amériques … mes impressionsedemota AdminPlus]]>
Aujourd’hui, c’est un article assez différent, de ce à quoi je vous ai habitué. Je vous partage mes impressions sur l’exposition « Picasso, D’Afrique aux Amériques – Face à Face d’hier à aujourd’hui », actuellement offerte au Musée des Beaux Arts de Montréal.
Visiter les musées fait partie du processus créatif. Lorsqu’on s’immerge dans des expositions, on entre dans les univers des artistes exposés. Que leur style, nous interpelle ou pas n’est même pas important (ou presque), parce que la découverte peut se faire à plusieurs niveaux.
Pour illustrer ce propos quel exemple parfait ,que celui de cette exposition.
Je ne ferai pas ici un cours d’histoire de l’art sur Picasso ni sur les arts provenant d’autres cultures. Cela dit, je vous invite très très fortement à vous informer sur ces différents sujets.
Oh fait ! Pourquoi, c’est exemple est-il parfait ? Parce que Picasso est un des artistes les plus connus au monde. Pourtant, c’est aussi un de ceux dont le travail est le moins apprécié, parce qu’il a été un des premiers a abandonné la recherche de la beauté. Bon, voici ma petite analyse personnelle. Ça vaut ce que ça vaut … 😉
Entre vous est moi, personnellement, j’ai besoin de voir du « beau » pour aimer une oeuvre. J’ai besoin d’être émue POSITIVEMENT, j’ai besoin d’être émerveillée.
En revanche, je comprends tout à fait que ce point de vue ne soit pas partagé. Je comprends que pour certains artistes, l’art ne doit pas être limité à la recherche d’esthétisme, mais plutôt basé sur l’expression d’un message afin d’éveiller les consciences.
Et c’est sous cette compréhension, avec l’esprit ouvert et curieux que je vous invite à visiter les arts qui ne vous émeuvent pas vraiment.
Revenons à Picasso, c’est dans cette optique que j’ai confronté mes yeux à la fougue de cet artiste espagnol qui a su marquer l’histoire de l’art et la société de son époque.
Cette exposition m’a d’autant plus interpellée parce qu’elle met en lumière des oeuvres issues d’autres cultures à des époques variées. Et ça, mes amis, c’est un sujet qui m’interpelle grandement. La découverte de l’Autre, les traditions, les coutumes, le métissage, tout ceci m’évoque la richesse de l’humanité.Tout ceci me fascine depuis ma plus tendre enfance. Bien évidemment, j’ai une baguette magique qui bannit le racisme, la colonisation et toutes les horreurs qui en découlent.
J’ai aimé cette exposition, j’ai aimé la manière dont les oeuvres ont été installées. Ce sont des dialogues visuels entre les oeuvres de Picasso et celles d’artistes africains. Avec un peu de distance, il est facile de voir l’inspiration qui circule d’une oeuvre à l’autre. Comme ce rouge écarlate qui circule en chacun de nous.
J’ai aimé les textes et les frises chronologiques qui portent à réfléchir sur notre société.
J’ai aimé l’exposition qui suit« Nous sommes ici, d’ici ». Elle met en lumière les oeuvres d’artistes contemporains africains ou d’origines africaines portant un regard moderne sur le passé ou sur notre société.
Cependant, j’ai ressenti ces points de vue ethnocentriques des blancs qui regardent les noirs avec mépris et des noirs qui regardent ce que les blancs leur ont fait (et leur font encore).
Et à ce moment, malheureusement ma baguette magique s’est éteinte.
Je ne m’étendrais pas plus sur ce sujet. En revanche, voici quelques extraits des textes explicatifs :
Extrait d’un des textes explicatifs
Extrait d’un des textes explicatifs
Que vous aimiez ou pas Picasso, je vous invite à aller voir cette expo.
Que vous aimiez ou pas les arts d’autres cultures, je vous invite à aller voir cette expo.
Et lisez les textes descriptifs, ils sont très instructifs.
En revanche, amenez votre loupe. Premier gros bémol de l’installation, l’écriture est trop souvent illisible (la lumière des spots se reflète sur les lettres, faible contraste entre le noir de la typographie et des couleurs foncées des murs, parfois on doit se mettre à genoux pour lire certains textes ou mieux encore il manque des lettres et des mots). Généralement le MBAM fait mieux.
Deuxième bémol, une guide qui été bien informée sur les oeuvres de Picasso, sa vie, son parcours, mais si peu de choses à dire sur les oeuvres africaines. C’en était décevant.
Malgré ceci, j’y retournerai probablement d’ici la fin (le 16 sept 2018). Ne serait-ce que pour m’inspirer encore des formes, des couleurs, des matériaux utilisés. Une source intarissable pour l’artiste en soi.
Et vous, avez-vous été voir cette exposition ? Qu’en avez-vous pensé ? J’aimerai vous lire … En commentaire ou en courriel. J’ai toujours une immense gratitude à vous découvrir.
J’espère que cet article vous a titillé l’esprit. Avez-vous aimé ce genre d’article ? Voulez-vous que je continue de vous partager ce genre de découverte, et de réflexion ?
Ah ! Et de grâce, ne soyez pas complexés après avoir vu des artistes, de « grands artistes ». Vous savez, ce genre d’artistes, qui sont exposés dans des musées, vous savez ceux dont leurs toiles se vendent à des prix à plus de 4 chiffres.Si c’est le cas, je vous invite fortement à voir ou revoir cet article : 3 clés pour débloquer votre créativité. Vous êtes nombreux à l’avoir apprécié ;-). Cliquez ici, pour lire l’article.
Merci pour votre intérêt. Si vous avez aimé ce que vous avez lu, partagez cet article. Merci d’avance 😉
Plus d’informations sur cette exposition, visitez le site du Musée des Beaux Arts de Montréal, en cliquant ici.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/comment-faire-un-carnet-voyage-partie-12018-06-24T07:00:00-04:002018-07-26T06:59:25-04:00Comment faire un carnet voyage ? – Partie 1edemota AdminPlus]]>
Comment faire un carnet voyage ? Partie 1
Comment et pourquoi faire un carnet de voyage ? Avec la douce température, nous avons moins envie de rester enfermés dans nos ateliers. On veut être dehors à profiter du soleil, de la nature, de douces promenades ou des randonnées plus sportives. On part en voyage (pour les chanceux), on revient avec plein de photos, quelques souvenirs. Cependant, je vois régulièrement chez certains de mes élèves que leur créativité est laissée de côté, remisée au fond du placard jusqu’à la rentrée. Et ceci est bien malheureux ! Pauvre Miss Créativité … oubliée, rejetée. Le carnet de voyage ou un carnet nature est la solution la plus facile pour nourrir votre créativité et la stimuler durant tout l’été.
Je me suis aperçue au fil de toutes mes conversations, que bien souvent, ce n’est pas paresse. Bon, des fois oui,mais souvent par manque d’informations, manque de connaissance. Comment faire ? Quoi utiliser ? Où ? Combien ? etc.
Alors Mesdames et Monsieur, voici la bouée de sauvetage pour votre créativité cet été ! TanDam !! Avec les violons SVP 😉 Vous trouverez dans cet article des solutions simples et rapides à mettre en application (avec ou sans enfant … j’ai testé les deux HAHA!) . Et même les paresseux en seront motivés.
Étant donné la quantité d’informations, j’ai choisi de diviser ce contenu en 2 articles. Dans la première partie, vous trouverez :
La différence entre un carnet voyage et un carnet nature
Pourquoi tenir un carnet de nature ou carnet de voyage
Le matériel de base à utiliser
Et dans la deuxième partie :
Comment et avec quoi remplir ce carnet
Trucs et astuces sur l’organisation de notre matériel
Avant de rentrer dans le vif du sujet, sachez également que cet article est basé sur ma propre expérience. J’ai développé cette habitude depuis le début des années 2000. Et dans le but de vous offrir les informations les plus complètes, je me suis inspirée sur le sujet. Vous trouverez les sources soit en bas de chacune des photos que j’ai extraites de Pinterest. Sachez également que cet article fait suite à une tournée de conférences/ateliers que je viens de terminer dans les magasins Hachem (dans la grande région de Montréal- Québec). Je me suis donc également inspirée des questions de la centaine de participants avec qui j’ai eu l’honneur de partager.
Bon trêve de Blabla !!!
La différence entre un carnet voyage et un carnet nature
Le carnet nature renvoie à un usage avec la nature comme source d’inspiration principale. On le remplit au fil de nos balades régulières dans nos environnements quotidiens. Une petite promenade agréable, un après-midi dans un parc ou une randonnée en forêt. Les sujets de nos dessins sont les paysages, fleurs, feuilles, plages, animaux, etc. Petit truc : Pensez à varier les points de vue. Un peu comme un appareil photo le fait, alternez entre un plat large (panoramique) et un point de vue plus spécifique (zoom voir macro).
Ce carnet peut se remplir de façon sporadique, parfois même sur plusieurs années.
Le carnet de voyage : fait référence à un voyage qui nous sort de notre environnement ordinaire. Il est le recueil d’une expérience particulière qui se matérialise par toute sorte d’informations visuelles (dessins, photos, écrits, collectes de matériaux divers).
Pourquoi tenir un carnet de nature ou carnet de voyage ?
Bénéfice créatif :
Tenir un carnet de nos expériences, nous permet de garder notre inspiration à feu doux, stimuler. Ce carnet de notes visuelles sera un recueil précieux pour venir y puiser lorsque nous serons de retour dans l’atelier.
Bénéfice développement personnel :
La vie va vite, le temps file et c’est parfois encore plus étourdissant lorsqu’on est en voyage.
En promenade, en voyage, nous sommes en mouvement.Nous sommes bombardés de nouvelles choses, nouvelles vues, nouvelles odeurs, nouvelles couleurs, nouveaux bruits. Nous voyons, mais nous ne regardons pas forcément. Nous entendons, mais nous n’écoutons pas forcément.
Tenir un carnet nous permet de ralentir, d’être en connexion la plus complète avec notre expérience. Tenir un carnet de voyage nous met dans une position de chasse au trésor. Cela nous permet d’être en éveil, en pleine conscience.
Avec les avancements technologiques, la photo numérique, nos téléphones intelligents, nous sommes devenus des boulimiques de photos. On voit, on « shoot », on partage sur les médias sociaux, puis …. On oublie.
Prendre le temps de faire un carnet de nature, un carnet voyage nous permet d’enrichir l’expérience de nombreuses façons; comme nous le verrons plus tard. Capturer ces trésors, ces souvenirs vont rendre notre mémoire encore plus vivante. Notre aventure sera amplifiée et prolongée.
Lorsque nous nous promenons, lorsque nous voyageons, ce n’est pas seulement notre corps qui se déplace, c’est notre intérieur qui chemine aussi. Tenir un carnet permet à ces deux voyages de se concrétiser et d’être réunis dans une même matière,
Quel type de matériel apporter :
Matériel d’art et d’artisanat
1 Carnet- voir ci-dessous : comment bien choisir son carnet
Porte mine ou crayon mine. Personnellement, je préfère le porte-mine, ça évite d’avoir à aiguiser la mine.
Gomme à effacer – petit truc : couper la en deux, ça prendra moins de place,
Optionnel : une gomme mie de pain.
Stylo encre résistante à l’eau (Pigma Micron de Sakura) taille : 05, 08– optionnel 01 et/ou 005
Optionnel : Stylo à pointe pinceau pour des écritures et des tracés charismatiques
Optionnel 2 : Stylo à pointe biseautée pour des écritures à effets calligraphiques.
Comment bien choisir son carnet – Quelques questions à se poser :
La qualité du papier va varier en fonction de ce que vous avez l’intention d’utiliser comme matériel (Dessin, vs Aquarelle, collage)
Le format :
En fonction du moment et de l’endroit où vous allez créer. Doit-il tenir dans une petite poche et être léger pour être trimballé tout au long de la journée ? Ou allez-vous vous installer en fin de journée sur une table confortablement … ?
Si vous voulez faire de sketches régulièrement durant vos journées. Votre carnet devra être de petit format et confortable à tenir en main. Mais pas trop petit pour conserver votre aisance à créer. Il devra également être léger pour ne pas alourdir vos déplacements.
Personnellement, j’aime beaucoup les petits formats (environ 4x6pc ou 7x10pc) avec 12 à 15 feuilles.
Tablette, spirale ou reliure ?
L’avantage de la tablette c’est que les images se défont facilement, pour pouvoir mieux les encadrer après. Mais c’est aussi son désavantage. Pour y pallier il est nécessaire de se munir de pinces afin d’attacher les feuilles ou de washi tape.
La spirale et la reliure offrent l’avantage d’avoir tout toujours ensemble.
La spirale est généralement plus volumineuse et s’accroche facilement dans les sacs. La prise en main est facile pour dessiner 1 feuille à la fois, mais rend difficile la réalisation d’une image sur 2 feuilles en même temps. Par la suite, il est possible de détacher les feuilles pour pouvoir les encadrer. Et on peut aussi lesarracher pour les faire disparaître. 😉
La reliure, quant à elle,offre une prise en main variable en fonction de l’épaisseur de la couverture. Idéale pour dessiner sur 2 feuilles en même temps sans coupure. Bien évidemment, il devient difficile de détacher les feuilles après pour encadrer.
Couverture souple ou rigide ?
Le carnet avec une couverture souple est généralement plus léger à transporter, mais pas toujours facile si l’on veut dessiner sans être appuyé sur une table.En fonction de la qualité, il peut s’abîmer facilement à l’usage.
Les couvertures rigides sont plus résistantes. Elles offrent un support pour dessiner même si l’on est sans appui, mais elles sont de ce fait plus lourdes à transporter.
Un compromis : des carnets avec la première de couverture avec un carton assez léger, mais la dernière de couverture avec un carton beaucoup plus solide, facilitant l’appui. Ce sont mes préférés.
Pour mettre de la couleur :
Selon votre choix :
Kit d’aquarelle en godets
Feutres aquarellables (plusieurs couleurs)
Pastels ou craies ou bâtons d’aquarelle (plusieurs couleurs)
Crayons aquarellables (plusieurs couleurs). Avec l’expérience, j’ai délaissé cette option parce qu’il faut souvent les aiguiser et donc avoir sur soi un taille-crayon ce qui est bien souvent volumineux.
Pour étaler et diluer votre couleur :
Pinceau avec un réservoir
1 feuille de papier absorbant (pour nettoyer son pinceau)
Optionnel : Marqueur avec gomme à réserve (Pébéo) – Pour garder des zones blanches.
Aiguisoir (si vous avez choisi de prendre des crayons)
Bâton de colle ou distributeur de colle double face ou stylo colle,
Ruban adhésif et/ou ruban à masquer et/ou washi tape
Petits ciseaux (de type broderie, ou trousse de couture).
Si vous pensez que cet article et mon travail peuvent inspirer quelqu’un de votre entourage, partagez-lui ma découverte. « Plus on est de fous, plus on rit 😉 ».
Si vous avez des questions, des suggestions, vous voulez partager vos expériences, mettez votre commentaire. Je les lirai et y répondrai avec grand plaisir.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/comment-faire-un-carnet-voyage-partie-22018-06-24T06:11:00-04:002018-07-26T06:50:09-04:00Comment faire un carnet voyage ? Partie 2edemota AdminPlus]]>
Comme pour toute démarche créative, il est important d’explorer et de s’inspirer pour débuter avec une certaine trajectoire. Trouvez des modèles d’inspiration qui correspondent à votre goût. Pour cela les plates-formes habituelles telles que Pinterest et Instagram sauront vous rassasier. Vous n’avez qu’à taper les mots clés tels que : carnet voyage ou travel journal.
Inspirations Carnet voyage – Pinterest
Les techniques artistiques :
Les techniques d’art visuel :
photos,
croquis,
peinture,
collages
Les techniques littéraires :
Décrire les expériences selon notre style, les anecdotes, les lieux, les rencontres, les moments marquants, découvertes (lieux, personnes, fruits, fleurs, etc.).
Je précise selon notre style parce qu’on peut écrire comme un journal, mais aussi parfois quelques mots suffiront.
Si nous découvrons un pays étranger, les mots de base à retenir ou marquants.
Faire une collecte de différents documents, objets :
Carnet Nature :des promenades, randonnées dans son environnement habituel :
Cartes, guides touristiques
Noms et cartes des sites déjà déterminés
Images et noms faunes et flores locales, livres, magazines sur le sujet.
Coordonnées et logos des organismes d’informations et/ou droits d’entrée (ex.: SEPAQ pour les québécois)
Photos de vos vêtements et accessoires (chaussures, chapeau, sac à dos, bouteille d’eau, appareil photo, lunettes de soleil, etc.) que vous allez apporter en promenade.
Photos de promenades, randonnées passées : certaines pourront être collées directement dans votre carnet et d’autres pourront vous servir de modèle pour dessiner.
Carnet de voyage Cuba – Edwidge DeMota
Carnet Voyage :
Avant :
le plan de destination (différentes, villes, escales)
les heures de trajet, vol, de trains,
« road trip » : trajet estimé, villes d’arrêt, etc.
les adresses que vous avez en votre possession
Liste des préparatifs (refaire le passeport, faire garder les animaux, demander aux voisins d’arroser les plantes, etc.)
cartes (en prendre 1 pour se repérer sur place si besoin, et 1 pour illustrer au fur et à mesure)
Guide touristique
Photos ou dessins de vos vêtements et accessoires (chaussures, chapeau, sac à dos, bouteille d’eau, appareil photo, lunettes de soleil, etc.) que vous allez apporter.
Photos et dessins de votre matériel de création.
Pendant :
Billets de voyage,
Billets d’entrée de musées, activités diverses.
Cartes touristiques locales : Si vous voulez garder la carte intacte, faites des photocopies des endroits où vous avez été.
Reçus de caisse de restaurants, magasinage,
Étiquettes de bouteille de vin
Tickets de bus, métro, bateau,
Carte de chambre d’hôtel
Papier de note (que l’on trouve dans certains hôtels),
Emballages locaux (produits de nourriture, motifs, écritures, matériaux)
Cartes d’affaires (resto, bars, cafés, boutiques coups de coeur)
Cartes postales et tout type d’images que vous avez pu acheté ou ramassé.
Timbres
Monnaie
Tissus ou photos de tissus, vêtements folkloriques
Autocollants
Photos de voyage,
Photos des souvenirs, objets décoratifs que vous avez achetés (masques, tasses, etc.)
Les catégories de source d’inspiration et d’observation :
Architecture
Les lieux historiques
Nature (paysage, fleurs, feuille, plage, animaux, etc.) : Avoir un point de vue large et un point de vue plus spécifique.
Nourriture
le folklore local (vêtements, mobilier, tissus d’ameublement (tapis)
Accessoires du quotidien « cliché » (ex. : les tongs en Asie, panier en Amerique latine, bouteille de vin en France)
Si vous êtes dans un endroit nouveau avec +/- contraste culturel :
Marquez ce qui est similaire et différent
Quel est le plus bel endroit vu durant votre voyage
À qui avez-vous parlé durant votre voyage ? Qui avez-vous rencontré ? Une conversation mémorable
Qu’est-ce que vous aimez de cette culture ? Pourquoi ?
Avez-vous envie d’y revenir ? De vous y installer ?
Quelle est la meilleure nourriture que vous avez goutée ? Notez les références (nom du plat ou des aliments, nom du resto, circonstances) Prenez en photo
Quels seraient les restaurants, bars, cafés que vous recommanderiez ?
Quels musées, activités avez-vous visités, vos préférences ?
Avez-vous vu un chef-d’oeuvre pictural ou architectural ? Quel effet cela vous a fait de « rencontrer La Mona Lisa ou de visiter la Chapelle Sixteen » .
Et puis, il y a ces anecdotes pas toujours drôles ou agréables sur le moment. Mais qui resteront à jamais gravées dans votre mémoire.
Durant le déplacement sur la route ou un road trip :
Avez-vous une playlist, une chanson marquante ?
Quels ont été vos arrêts, vos escales ?
Comment sont les gens à l’aéroport, ou à la gare ?
Avec qui voyagez-vous ?
Documentez sa présence, sa compagnie, son influence sur votre voyage.
Qu’auriez-vous aimé avoir avec vous que vous avez oublié « Note à moi-même » pour la prochaine fois.
Et après … :
Qu’avez-vous appris durant ce voyage ?
Sur votre destination, sur vous, votre accompagnateur(rice).
De quoi êtes-vous reconnaissant(e) ?
Où voulez-vous allez, la prochaine fois ?
Que recommanderiez-vous à un ami qui veut aller à cette destination ?
Trucs et astuces pour organiser notre matériel
Avant le voyage :
Testez votre matériel, avez-vous les quantités suffisantes ? Si votre matériel est neuf, donnez-vous le temps de l’apprivoiser.
Prévoyez votre palette en fonction des couleurs auxquelles on peut s’attendre. Au besoin vous entraînez-vous pour le mélange des couleurs ex. : eau turquoise (bleu primaire ou céruléen + vert phtalo).
Organisation du matériel en fonction de … :
variable en fonction des circonstances dans lesquelles vous allez créer et des postures que vous allez avoir.
Est-ce que ça va être « sur le fly » in situ, ou après en fin de journée ?
Va-t-on être assis ou debout ?
Va-t-on marcher beaucoup durant la journée ?
Trucs d’organisation :
Rassemblez dans une même pochette votre matériel. Les pochettes à cosmétiques peuvent s’avérer être de très bonnes amies si vous aimez avoir votre matériel dans des compartiments. Des pochettes pour tablettes électroniques ou ordinateurs peuvent être également pratiques.
Si l’on doit marcher, on doit s’assurer d’avoir le moins de choses possible, et les moins lourdes possible.
Le sac à dos est idéal pour les croquis debout, on met le sac à dos en avant, notre matériel à l’intérieur prêt à être pigé au fur et à mesure. Sinon, la légendaire besace et enfin la « petite banane » qui revient en force …
Pour s’asseoir à l’occasion (petit tabouret pliable, petit coussin imperméable ou même un sac de congélation qui se plie très facilement)
En ce qui concerne votre collecte d’objets et documents :
Tout ce qui est volumineux, même une petite épaisseur (ex : carte d’hôtel), réservez l’emplacement, mais collez le qu’après avoir fini de remplir votre carnet. Sinon cela dérangera la bonne exécution des dessins ou écritures .
Ayez avec vous 2 à 3sacs congélations (taille moyenne / grande)pour amasser et conserver vos trésors collectés en attendant de les insérer. Le premier à garder toujours sur soi pour la récolte du jour et le deuxième pour conserver l’ensemble dans la valise. Vous pouvez même en prévoir un 3e si vous voulez collecter des emballages alimentaires qui auraient besoin d’un petit nettoyage.
Vous voulez pratiquer régulièrement l’art du croquis urbain « urban scketching », je vous invite à visiter ce site : http://www.urbansketchers.org/
Il regroupe une communauté internationale qui se retrouve dans ce but. Une excellente idée de partage et de rencontre, que ce soit dans votre région ou même en voyage 😉
J’espère que cette série d’articles aura su vous inspirer à créer en dehors de vos ateliers. Sentez-vous à l’aise de me montrer vos réalisations j’adore toujours ça. 😉
Votre muse de la Créativité va adorer s’amuser dehors et s’émerveiller de toutes ces belles beautés que la vie a à offrir. Et vous savez quoi, elle saura vous en remercier lorsque vous serez de retour à l’atelier ;-).
Si vous pensez que cet article et mon travail peut inspirer une personne de votre entourage, partagez-lui votre découverte … Plus on est de fous, plus on rit 😉
Si vous avez des questions, des suggestions, vous voulez partager vos expériences, mettez votre commentaire. Je les lirai et y répondrai avec grand plaisir.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/reussir-des-fonds-charismatiques-avec-la-peinture-acrylique2018-03-28T08:39:00-04:002018-07-26T09:20:52-04:00Réussir des fonds charismatiques avec la peinture acryliqueedemota AdminPlus]]>
Comment réussir des fonds charismatiques avec la peinture acrylique ?
As-tu déjà rencontré de la difficulté à réaliser un fond avec de la peinture acrylique ?
Est-ce qu’il t’est déjà arrivé de trouver tes résultats trop plats, ennuyeux ?
Et tu aimerais savoir comment donner de la vie, un « vibe », un charisme sur le fond de tes peintures …
Aujourd’hui, jour de chance ! On va voir ça ensemble :
Donner du charisme au fond acrylique avec des papiers
On commence en choisissant des papiers. Personnellement, j’ai une grande collection de papiers divers et variés, des restants de publicité, de magazines, d’emballage ou de beaux papiers de scrapbooking. L’histoire demes jolis papiers fera l’objet d’un cours en soi, tellement que j’en ai à dire hi!hi!
Pour les coller, on utilise du médium acrylique mat. On peut utiliser du brillant aussi. L’avantage du médium mat, c’est qu’il permet une meilleure adhérence aux couches subséquentes.
Comment utilise-t-on le médium acrylique mat ?
Il peut l’appliquer de différentes façons : le verser, couler, on peut l’étendre avec un pinceau, avec les doigts. Par la suite, en donnant une surcouche sur le papier pour l’aider à bien se sceller sur le support. On peut utiliser une large spatule; très pratique pour éviter les bulles d’air. Dans mon cas, j’aime recycler les vieilles cartes en plastique. 😉
Le médium acrylique n’ a pas d’odeur, c’est très simple d’usage et se rince à l’eau tiède et savonneuse (comme la peinture acrylique).
J’applique les papiers de façon aléatoire et très intuitive. Me laissant guider parfois par la couleur, parfois par les formes et les graphismes.
On déchire, on découpe, on arrache. Parfois avec minutie, parfois de façon très aléatoire et négligée, toujours dans le but de créer des contrastes dans les effets et les matières.
Réussir le fond acrylique grâce à l’harmonie par les couleurs
Une fois la première couche de papier collée, je commence à ajouter de la couleur avec la peinture acrylique. On peut utiliser les diverses viscosités d’acrylique. Dans la démonstration d’aujourd’hui, j’ai opté pour l’acrylique liquide que je disperse de façon aléatoire. L’objectif est de commencer à créer une certaine harmonie dans le fond acrylique de la création.
On peut également vaporiser de l’eau avant et après avoir déposé l’acrylique liquide. Cela va aider à l’étendre et à la disperser.
Aujourd’hui, j’ai laissé au centre du support le bois à l’état brut. L’encre vient s’y déposer et fait ressortir le veinage du panneau de bois. L’effet graphique est très intéressant.
J’en profite pour rappeler qu’une des règles qu’on peut utiliser pour créer des fonds d’acrylique avec des effets charismatiques :c’est de jouer avec les contrastes, de couleur, de textures.
Ensuite, j’ai ajouté de l’aquarelle liquide. C’est un produit qui peut se diluer très rapidement avec l’eau. À l’état pur, cela ajoute un effet glacis transparent et coloré qui ajoute encore à certains endroits une nouvelle dynamique. Attention, l’aquarelle va se réactiver à la prochaine couche de peinture ou de médium acrylique créant ainsi un nouveau voile coloré. Pour éviter cela, on peut vaporiser un petit « poucht » de fixatif acrylique ou d’aquarelle.
En jouant avec des matières liquides, on peut utiliser la gravité pour créer encore et toujours plus d’effets, de coulures, faire dégouliner .
Apprivoise ton support à 360°.
Un des avantages de cette technique, c’est qu’il n’y a pas d’erreur possible !
Okles Miss et Mr Perfection … On se laisse aller et on libère la créativité.
On s’amuse.
Voici à quoi a servit ce fond charismatique :
Afin de réaliser cette oeuvre, j’y ai ajouté d’autres textures, médium à craqueler, mortier de structure, pâte à modeler,mixed media de pébéo, gel filant et j’en passe et bien évidemment des dessins issus de mes petites mains.
D’autres exemples :
Matériel utilisé
Panneau de bois de dimensions 10×10 pc / 25.5 x 25.5 cm.
Médium acrylique mat – Liquitex
Encre acrylique liquide
Liquitex – Rouge naphtol carmin, transvidée dans une petite bouteille en spray, format voyage
Golden – High Flow – Rose fluo
Aquarelle liquide
Pébéo Colorex – Jaune– 19
Autres outils
Pinceaux en poils synthétiques, dimension adaptée à la taille des morceaux de papier
Spatule large ou vieille carte de membre quelconque (musée, magasin, carte cadeau etc.)
Une bouteille d’eau avec embout vaporisateur
J’espère que ceci t’a inspiré(e). Dorénavant, je crois que tu ne verras plus les papiers, les emballages, les cartes de la même façon et qu’au contraire ils te serviront à créer ton univers et des fonds charismatiques avec tes peintures acryliques. hi! Hi! 😉
Si tu penses que cela pourrait inspirer une personne de ton entourage, partage-lui ta découverte.
Au plaisir
Bises colorées
Edwidge
Ps1 : Si tu n’as pas encore reçu ton e-magazine « Sésame, Inspire-moi ! Vol.1 » Je t’invite à t’inscrire au blogue grâce au formulaire en haut de la page. Toutefois, si tu rencontres des difficultés à la télécharger, tu peux me contacter par email.
Ps2 : Si tu es intéressé(e) par l’acquisition d’une de mes toiles tu peux me contacter en privé par courriel.
La Guapa del tango est disponible (tarif 2017 : 239$).
La Deusa do Sol a déjà trouvé une autre demeure 😉
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/peindre-avec-un-enfant2018-02-26T07:11:00-05:002018-07-26T07:02:38-04:00Peindre avec un enfantedemota AdminPlus]]>
Peindre avec un enfant, ça te tente ?
Si tu as dans ton entourage un enfant, âgé(e) entre 3 et 9 ans, tu es chanceux / chanceuse !
S’ils sont plus jeunes ou plus vieux aussi bien évidemment, mais pour le propos qui nous intéresse aujourd’hui, cette tranche d’âge est fabuleusement idéale. Pourquoi ?
Je ne ferai pas ici une thèse sur les bienfaits de pratiquer une activité artistique avec un enfant, je pourrai en parler des heures. Cela dit, voilà brièvement deux raisons essentielles.La première est qu’à cet âge-là, ils sont « normalement » suffisamment autonomes pour faire une activité de ce genre avec une simple supervision. La deuxième est que les complexes de l’adolescence ne sont pas encore venus intoxiquer leur âme d’enfant, ils sont encore pleins de jeu, d’émerveillement et de simplicité.
La beauté de peindre avec un enfant réside dans le fait que tous les participants, tous âges confondus, ressortent grandis de cette expérience.
Non seulement vous partagerez un moment privilégié ensemble et ça, c’est de l’or dans votre relation. Également, tu lui apprendras à développer son esprit créatif, inventeur. Cette habileté est très précieuse pour son évolution et pour sa vie future, qu’il soit artiste ou non. Quant à toi, tu y gagneras énormément en le regardant comme un maître de spontanéité, de l’amusement sans jugement ni complexe. « Tsé » tout ce que les adultes « bien pensants » ne s’autorisent plus à faire …
Dans la vidéo d’aujourd’hui, je te partage un moment avec mon fils, le plus jeune de notre famille de 4 enfants.
Cette vidéo, t’a inspiré(e) et toi aussi tu veux peindre avec un enfant de ton entourage… Afin de profiter pleinement de ce moment, voici quelques conseils que j’ai découverts au fil du temps.
Quelques conseils pratiques
Prévois pour toi et l’enfant une tenue vestimentaire qui ne craint pas les tâches.
Protège ton espace … parce que oui, il va y avoir des petits dégâts. Ça fait partie du jeu ;-). Personnellement, je prends de vieilles serviettes pour le plancher. C’est plus agréable que des bâches en plastiques et grâce à leur épaisseur, elles sont plus protectrices que de vieux draps. Et enfin, si ton espace est restreint, n’hésite pas à pousser tes meubles pour l’occasion.
En tout et pour tout, prévois un maximum d’1 à 2 heures (incluant le ménage). Cela peut varier en fonction de l’âge de l’enfant et de son intérêt. D’ailleurs, prévois plutôt entre 20 à 30 min si l’âge de l’enfant se situe entre 3 et 5 ans.
Je te conseille également de préparer des collations, rafraîchissements prêts à être consommés.
Et enfin, si l’enfant est jeune, rappelle-lui d’aller aux toilettes, sinon vous risquez d’avoir un autre genre de dégâts à essuyer. 😉
Quel matériel artistique, peut-on utiliser ?
Choisis un support assez grand pour que vous puissiez vous amusez dessus ensemble : une toile ou une feuille pour aquarelle ou pour techniques mixtes environ 20×30 pc / 50×80 cm.
Pour la peinture, on trouve sur le marché différentes options plus ou moins adaptées pour les enfants. On parle généralement de gouache ou d’acrylique. Personnellement, je préfère l’acrylique. Même si ce n’est pas la plus adaptée pour les plus jeunes. Une fois sèche, elle est permanente et évite ainsi le fameux brun bizarre que les enfants arrivent toujours à faire avec la gouache. Cela donne des résultats beaucoup plus esthétiques.
Pour les outils, comme tu as pu le constater, avec mon fils nous avons utilisé :
des racloirs à vitres (communément appelés « squeegee » ici au Québec),
des pulvérisateurs avec de l’eau.
et nos mains … Avec tout ça le plaisir est garanti !!!!
Quelle approche avoir ?
Pour la technique, entendez-vous sur le fait que vous allez jouer avec les couleurs. Ne cherchez pas à reproduire quelque chose que vous connaissez. La tentative de représentation du figuratif amène souvent à la frustration et surtout limite la créativité. Ne planifiez pas non plus. Laissez place à la spontanéité.
Fais choisir à l’enfant 3 ou 4 couleurs maximum. Vous pouvez ajouter du blanc.
Mettez de la bonne musique entrainante pour vous deux et amusez-vous bien !!!!
Le résultat final pourrait te surprendre. Vous pourriez vous en servir tel quel pour décorer ta demeure. Vous pouvez également vous en servir de fond pour une oeuvre que vous terminerez plus tard. Peu importe ce que vous choisirez de faire, sachez qu’en mettant la participation de l’enfant à l’honneur, vous participerez grandement à la construction de son estime de lui-même.
Dans notre cas, ce que tu as vu est devenu par la suite un cadeau pour mon conjoint pour la fête des Pères (mai 2017). Mon fils s’est proclamé le décideur, quant à moi je suis devenue son exécutante. Et c’était du genre, fais-ci, fais ça … ;-).
Et puis, tu peux également vous filmer, comme nous l’avons fait. Cela fait un très bon souvenir !
J’espère que cet article t’a inspiré(e) à t’amuser avec ton âme d’enfant. Si tu penses que cela peut inspirer une personne de ton entourage, partage-lui ta découverte.
Tu as tenté l’expérience ou tu es déjà un(e) adepte de cette activité, partage-nous ton expérience dans les commentaires. J’adore te lire …
Tu veux d’autres inspirations pour éveiller ton instinct créatif, inscris-toi sur ce blogue. En cadeau, tu recevras gratuitement mon e-magazine, 32 pages de trucs et astuces ingénieux pour t’émerveiller au quotidien et ceci même si tu n’as pas le temps ;-). Tu seras également informé(e) personnellement de chacune de mes nouveautés (environs 1 à 2 fois par mois). Clique ici pour t’inscrire !
À très bientôt !
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/des-encres-pour-la-saint-valentin2018-02-10T07:11:00-05:002018-07-26T07:52:55-04:00Des encres pour la Saint-Valentinedemota Admin
Dans la vidéo d’aujourd’hui, je me suis laissée inspirer par les encres pour la Saint-Valentin. Cette fête est dédiée aux amoureux et aussi à l’Amour, à l’amitié et à la gratitude. Je me sens tellement épanouie et bénie par la vie en ce moment que c’était très facile. Tellement de choses excitantes et stimulantes se
Dans la vidéo d’aujourd’hui, je me suis laissée inspirer par cette fête dédiée à l’amour, à l’amitié et à la gratitude. Je me sens tellement épanouie et bénie par la vie en ce moment que c’était très facile. Tellement de choses excitantes et stimulantes se réalisent enfin ! Dont vous toutes chères lectrices et tous chers lecteurs. Oui, je sais, je viens de briser une règle de français ! Et c’est volontaire ;-) Vous êtes de plus en plus nombreuses et nombreux à vous sentir inspiréEs et encouragéEs à exprimer votre essence artistique, votre instinct créatif. Vous êtes de plus en plus à me lire, à me suivre sur toutes les plateformes, à me contacter et à venir me rencontrer (pour ceux qui le peuvent ;-)).Et tout ceci me réjouit au plus haut point, je me sens comme sur un nuage des bisounours/calinours.
Cela me confirme que j’ai vraiment bien fait d’écouter mon rêve un peu fou, beaucoup trop risqué et pourtant si satisfaisant ! Je profite donc de cette Saint-Valentin, pour vous exprimer toute ma gratitude et tout mon amour. Parce que sans votre support, sans vos commentaires, sans vos courriels, sans votre participation aux ateliers, aux coachings privés, et maintenant aux conférences, je ne sais pas ce qui serait arrivé. Sans vous, pourrai-je endurer la lenteur de ce processus, aurai-je maintenu l’enthousiasme, aurai-je pu traverser tous les obstacles et toutes mes peurs durant une si longue période ? Du fin fond de mon coeur, je vous dis :
C’est dans cette intention, en suivant mes sentiments que j’ai laissé glisser mes doigts sous l’effet magique des encres pour créer la vidéo qui suit.
Ceux qui me suivent de très près vous ne serez pas étonnés de constater que les magasins Hachem se sont joints à mon rêve un peu fou ***. En fait, il serait plus juste de dire que nous avons des rêves et des visions communes et que nous avons décidé de joindre nos forces afin de vous aider à réaliser vos ambitions créatives.
Non, mais « Tsé ! », quand je dis sur un nuage … j’exagère à peine HAHAH !!Pour ceux que ça intéresse, vous trouverez tous les détails sur la page Académie Hachem.
PS : Après la vidéo, je reviens à mon tutoiement habituel ;-). Je me sens ainsi plus proche de chacun de vous. ;-)
Allez trêve de blabla voici pour l’émerveillement de vos yeux :
Détails des produits et techniques
Le marqueur de masquage ou en « bon français » Drawing gum marker est idéal pour conserver des zones intactes. C’est ce que l’on appelle faire une réserve. La gomme de réserve ou liquide de masquage est une composition de latex qui est offerte en pot depuis de nombreuses années. Souvent utilisée par les aquarellistes et les illustrateurs, la gomme de réserve s’utilise avec des peintures liquides ou l’acrylique en très très fines couches. On l’applique avec un pinceau (qui ne sert qu’à ça, parce que cela l’abime au premier usage). Les avantages du marqueur sont multiples. J’aime beaucoup celui de Pébéo, sa pointe fine (0,7mm) permet de faire des traits aussi fins qu’un stylo. Un petit conseil avant de l’utiliser sur une véritable création, une petite période de rodage sur un quelconque support est très utile. Cela va assouplir la pointe et égaliser le débit. Pendant l’utilisation, comme tu le constateras sur la vidéo, il faut amorcer régulièrement la pointe sur un support rigide (une palette ou un couvercle). Après chaque utilisation, il faudra retirer l’excédent de gomme sur la pointe avec tes doigts. Laisse sécher complètement la gomme de réserve avant de déposer la peinture. Avec le marqueur, seules quelques minutes suffisent. Laisse sécher à nouveau la peinture. Il faut vraiment que la peinture et le papier soient complètement secs, sinon tu risques de déchirer le papier ou d’étaler la peinture. Finalement, tu peux retirer la gomme de réserve en frottant avec tes doigts ou avec un singe. Comme je le démontre dans la vidéo. Le singe est un gros carré en caoutchouc(je crois) qui fonctionne comme une gomme à effacer là où ces dernières ne fonctionnent pas. Je ne sais vraiment pas pourquoi ce fabuleux objet porte ce nom.Cela dit, si tu connais la réponse, sens-toi à l’aise de le laisser en commentaire ! Un grand merci d’avance.
Ensuite, la technique démontrée s’appelle « humide sur humide ». Ce qui sous-entend que l’on mouille le support avant de venir déposer une peinture liquide. On voit les effets très organiques et magiques que cela crée. Personnellement, je ne peux me passer de cet effet. J’en mets sur toutes mes oeuvres ou presque depuis des années …
Les encres utilisées dans cette vidéo sont les suivantes :
encre aquarelle (Écoline, Carmin - 318)
encre aquarelle (Colorex de Pébéo, Jaune clair - 19)
encre à l’alcool (Tim Holtz de Ranger - Framboise / Raspberry)
encre acrylique ( High Flow de Golden - Rouge Naphtol clair - Quinacridone Rose - Orange Pyrrole)
Les outils
Le pinceau que j’utilise est le Paddle freestyle de Liquitex 1pc de largeur. J’adore cette gamme de pinceaux, le manche très court est en fait très ergonomique, ce qui permet à ces outils de devenir de véritables extensions de nos mains.
L’ INDISPENSABLE de cette vidéo est le mini pulvérisateur de Ranger. J’ai longtemps cherché un « pouch-pouch » comme ça. Je l’adore, il permet de déposer véritablement une très légère brume . Il offre un débit toujours égal et contrôlé de l’eau. Son petit réservoir permet d’être très bien maintenu dans la main, mais c’est aussi son seul inconvénient, il faut le remplir plusieurs fois … En tout cas, si tu es une « pouch-pouchteuse » comme moi. Si c’est le cas, il faut en avoir plusieurs. Idéal aussi pour avoir une petite touche de parfum toujours avec soi … Rien à voir, je sais, mais on se comprend ;-)
Et enfin un autre de mes chouchous dont je ne pourrais plus me passer. L’efface à deux embouts - RD65 de Royal&Langnickel. Ce petit outil a plus d’un tour dans son sac. Il est fabriqué initialement pour faire des retraits de peinture. Il fonctionne très bien avec tous les types de viscosité, de très épaisse « Heavy body » àfluide et liquide comme tu peux le constater. Avec ces deux têtes, une en forme de biseau, l’autre en pointe, il permet également d’étirer la peinture, de la pousser et de dessiner … en plus son prix est dérisoire. Mais chut !
Alors voilà, j’espère qu’encore une fois, mes trucs et astuces, mes créations intuitives et spontanées t’ont inspiré(e) à créer le plus souvent possible et ce même si c’est 10 minutes seulement. Si tu veux en savoir plus sur ce sujet, je t’invite à aller voir cet article qui va t’expliquer et t’encourager. Et tu peux aussi lire et relire le magazine que j’offre en cadeau : « Sésame, Inspire-moi ! : Comment créer lorsqu’on court après le temps ». Si tu veux le recevoir, inscris-toi au blog, ici ! ;-)
Un grand merci pour ta lecture. Si tu penses à une personne de ton entourage que cela pourrait inspirer, partage-lui ta découverte. À très bientôt !
*** Proclamation d’éthique de blogueuse ***, cette vidéo a été commanditée par les magasins Hachem, et créée dans le cadre de la première conférence : « À la découverte des encres ». Pour de plus amples informations sur cette collaboration, clique sur la page Académie Hachem.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/10-minutes-par-jour-de-creativite2018-01-12T07:23:00-05:002018-07-26T07:22:36-04:0010 minutes par jour de créativitéedemota Admin
10 minutes de créativité par jour pour émerveiller notre quotidien Bon début d’année 2018 à tous ! Nous sommes dans la période des « bonnes résolutions ». En début d’année, il y a ce regain d’énergie qui nous pousse à remettre les choses en ordre dans notre vie, comme un nouvel espoir issu de ce « nouveau » départ.
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10 minutes de créativité par jour pour émerveiller notre quotidien
Bon début d’année 2018 à tous !
Nous sommes dans la période des « bonnes résolutions ». En début d’année, il y a ce regain d’énergie qui nous pousse à remettre les choses en ordre dans notre vie, comme un nouvel espoir issu de ce « nouveau » départ.
Alors, si tu as comme désir de mettre plus de créativité dans ton quotidien cette année, je veux t’encourager. Bon allez ! Parce qu’entre toi et moi, le concept des résolutions me fait rire, à chaque fois. On le sait tous, la très grande majorité des initiatives s’épuiseront d’ici quelques semaines, le reste tombera complètement dans l’oubli d’ici quelques mois. Seules quelques exceptions persévèreront et obtiendront les résultats désirés.
Alors pour t’aider à faire partie des exceptions et faire en sorte qu’à la fin de l’année 2018 tu sois satisfait(e) de toi, voici des conseils qui grâce à ta motivation seront infaillibles.
10 min de créativité par jour
Cela ressemble à une prescription médicale et il se peut que cela le devienne un jour hi!hi! D’ailleurs si des médecins veulent faire des recherches, je suis partante 😉 AH!AH!
En marge de cet article, je te partage des photos de mon quotidien créatif. Ben oui, ce n’est pas toujours beau, ni « glamour ». Mais ce n’est pas l’objectif. 😉
D’ailleurs, quel est l’objectif ? Pourquoi voulons-nous être plus créatifs ? Pourse faire plaisir, pour se faire du bien, pour évacuer le stress, pour se détendre, pour s’émerveiller de formes et de couleurs, pour s’amuser avec un rien, pour être heureux(se) dans cet instant ou le temps s’arrête, pour se laisser surprendre..etc.
À bien y penser, 10 minutes, qu’est-ce que c’est ? Pas grand-chose, même lorsqu’ on court dans notre routine quotidienne, on peut les trouver. Que ce soit le matin avant de partir travailler, ou sur la pause du midi ou encore le soir. Cela peut aussi se faire en regardant la TV. Il n’y a pas de petits plaisirs ;-). Pour me faciliter les envies, j’ai déposé du matériel dans chaque endroit où je suis susceptible d’en avoir besoin ; caché dans les tiroirs de la salle à manger et du salon, dans un panier dans ma chambre, dans mon sac à main. Et tout ceci, en plus de ce qu’il y a dans l’atelier.Et même si on a des enfants, c’est possible! Je le garantis. On en a 2 à la maison en permanence et ils se multiplient par 2 encore le week-end, famille recomposée oblige. D’ailleurs, si après avoir lu cet article, tu trouves que c’est difficile à mettre dans ton horaire, je t’offre un cadeau pour toi à la fin de l’article **.
Évidement, avec 10-15 minutes de création par période, il ne faut pas se mettre la pression de finir ta production le jour même. Tu peux si tu le veux. Tu peux aussi te donner la liberté et le plaisir d’ajouter quelque chose de nouveau à chaque période, jusqu’au moment où tu te diras … Ah ! C’est fini ! La prochaine fois, je commence autre chose. L’objectif est de se faire plaisir, de s’amuser tout au long du processus, de retrouver l’enfant qui est en toi.
Si tu as des engagements, des obligations à tenir après, je te suggère d’utiliser un chronomètre ou une alarme, ainsi ton esprit sera libéré du stress et complètement concentré sur ces précieuses 10 minutes.
Une des astuces primordialesest d’intégrer les informations suivantes :
Pour créer, nous ne sommes pas obligés de peindre sur une toile. Eh oui, on peut utiliser des cahiers. Si l’on veut utiliser de la peinture, je recommande fortement de prendre des cahiers avec un papier suffisamment épais, tel que du « mixed media » ou pour l’aquarelle. Pour plus d’infos à ce sujet, tu peux aller voir cet article. 😉
Les marqueurs changent tout ! Tu aimes la peinture, mais tu ne veux pas à avoir à sortir tout ton matériel, il existe des marqueurs de peinture à l’acrylique ou à l’aquarelle. C’est tellement agréable à utiliser. Tu pourras trouver plusieurs marques dans ton magasin préféré. Si tu ne sais pas lesquels choisir, je te conseille de choisir 1 de chaque marque dans tes couleurs préférées. Ainsi tu pourras expérimenter et découvrir ceux qui te conviennent le mieux (en termes de fluidité, opacité, choix de couleurs, tailles de pointes et bien sûr budget).
– Il n’est pas obligatoire de savoir dessiner parfaitement. Si tu es capable de faire une ligne, un cercle … Alors tu es capable de dessiner. Oui, c’est garanti. Il faut mettre de côté les complexes, la recherche de perfection.
10 minutes de créativité
c’est aussi 10 minutes de pause de perfectionnisme !!!
Un peu comme à l’époque, où les téléphones avaient des fils et qu’ils nous obligeaient à rester à la même place. Oups ! Ça ne nous rajeunit pas ;- ) Ou encore lorsque l’on est étudiant, ou dans une réunion et que notre esprit s’évade, que le stylo se met à dessiner tout seul sur notre feuille. OK d’accord, ce n’est peut- être pas souvent très beau, mais le principe est le même.
C’est simple, drôle et décontractant. On peut dessiner quelque chose qui existe ou des formes abstraites, géométriques, des motifs, etc. On peut aussi s’inspirer en partant d’une image que l’on aura collée et dessiner par dessus oumême juste colorier.
Sans recherche de perfection, notre main est hypnotisée et se laisse guider par l’inspiration.
C’est à ce moment que le bien-être s’installe.
Je rappelle que l’objectif premier n’est pas de faire un chef- d’oeuvre. Ce n’est même pas obligé d’être beau. L’objectif est de se faire plaisir, de s’amuser tout au long du processus et de réveiller son instinct créatif. Garde ça présent dans ton intention, lorsque tu crées et après observes les résultats.
Avec le temps, j’ai constaté qu’en pratiquant régulièrement ces 10 minutes, cela garde la créativité en éveil, à feu doux. Et de ce fait, lors des moments durant lesquels tu as plus de temps pour créer (1h ou plus), lors d’un cours ou d’un moment avec toi-même et bien là, notre muse Mme Créativité qui est en toi, est prête à sortir beaucoup plus rapidement. Tu peux même aller t’inspirer de tes petites productions quotidiennes pour les agrandir ou les insérer … Allez tu commences quand ?
Et encore un dernier conseil, créer toi un rituel pour tes moments de créativité. Rends ces instants sacrés ! Pour des idées, à ce sujet va voir à la page 11 du magazine « Sésame, Inspire-moi ! »
J’espère que cet article va créer en toi, le désir brûlant de te jeter sur un bout de papier. Pour t’aider à bien implanter cette nouvelle habitude dans ton quotidien, je t’invite à lire ou relire le e-magazine « Sésame, Inspire-moi ! Quand créer lorsqu’on court après le temps ?» À l’intérieur duquel je partage gratuitement, les trucs et astuces que j’utilise depuis les 20 dernières années, testés et approuvés malgré les vents et tempêtes de la vie ;-). Il est accessible gratuitement aux nouveaux abonnés sur la « pop-up » d’accueil du site. Je m’excuse d’avance, parce que les coordonnées inscrites dessus ne sont pas encore à jour. Ça, c’est ma résolution pour 2018 😉 !!!
10 minutes par jour, pour prendre soin de toi et ton amusement !
Si tu penses que cet article peut inspirer une personne de ton entourage, partage-lui ta découverte. Qui sait, tu pourrais l’aider à avoir une merveilleuse année 2018 😉
Dans tous les cas, je te souhaite 2018 heureuse des petits moments, lumineuse et chaleureuse comme le soleil et inspirante commel’éclat de rire d’un enfant.
Avec toute ma gratitude et mon amour.
** Alors, après avoir lu cet article, tu trouves que c’est difficile à mettre dans ton horaire ? Dans un premier temps, va lire et mets en pratique les conseils et exercices offerts dans le magazine. Dans un deuxième temps, si malgré tout ça tu n’y arrives toujours pas et que tu es véritablement engagé(e) à atteindre ton objectif, contacte-moi par courriel,je t’offrirai 30minutes de coaching gratuit sur cette question, adapté à Ta situation (via Skype ou Messenger). C’est mon cadeau pour t’encourager. 😉
*** Mention d’éthique de blogueuse : Le contenu de cet article est en partie commandité par Pébéo ( les décoMarker). Dans l’entente de la commandite, il est convenu que je partage mon avis authentique et sincère sur les produits essayés. Un article plus spécialisé paraîtra sous peu concernant ce produit.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/les-nouveautes-de-pebeo-2017-20182017-12-16T07:32:00-05:002018-07-26T07:52:17-04:00Les nouveautés de Pébéo 2017-2018edemota AdminPlus]]>
À quelques jours de Noël, je vous propose de découvrir de nouveaux produits. Ce sont de belles suggestions à ajouter à vos lettres au père Noël HiHiHi … Et quelques idées dedernière minute pour décorer vos ambiances des fêtes. Je précise qu’ils sont nouveaux au Québec, parce que je sais qu’en France vous avez quelques mois d’avance ;-).
Je vous présente donc les nouveautés de Pébéo …. Oh Yes Baby !
**** Pour être joyeusement transparente, je vous annonce que cet article et les vidéos qui s’y rattachent sont commandités par Pébéo. Cependant, soyez rassurés que dans l’entente que j’ai avec eux, c’est mon avis le plus authentique que je vous présente ici. *****
Également, j’ai fait ces vidéos en préparation au « Salon des couleurs » de Boucherville (sept 2017) pendant lequel j’animais le stand de Pébéo avec leurs nouveaux produits et des idées déco pour Noël. Je vous reviendrais bientôt avec des idées et des démos plus artistiques que décoratives et avec aussi plus d’expérience d’utilisation …
Alors sans plus tarder
Épisode 1 : Mon coup de coeur n°1 : Les Pebeo Spray
Il faut que je vous mette en contexte. Je suis née en 1980 et avec ces années-là, viennentla culture « street art », les graffitis, les couleurs fluo, le rap, le hip-hop … etc. Bien que j’ai toujours été fascinée par les graffitis et les graffeurs (ces artistes illégaux) je n’ai jamais osé en faire. On va se le dire franchement, pour la simple est bonne raison que ça « pu » !!! Et que je n’avais pas envie de me faire attraper par la police aussi … petit détail !!!
Bon, mais là, revenons en 2017, dans le confort de mon atelier, dans le sous-sol de ma petite maison de banlieue remplie d’enfants .. Jusqu’à cet automne, les aérosols n’étaient utilisés qu’en cas d’extrême nécessité, les colles et les fixatifs (et encore là, j’utilisais déjà ceux de Pébéo, moins nocifs). Et pour bien faire avec la fenêtre grande ouverte (même en hiver ! Et au Québec, l’hiver ne fait pas semblant d’être l’Hiver … ). Et voilà que lors de ma rencontre avec l’équipe de Pébéo Canada, ils me disent : « Tiens, voilà les nouveaux aérosols, ils sont sans solvants donc à faible odeur. Essaie-les et dis-nous ce que tu en penses » …. « What? » Pincez-moi je rêve » …. Donc je m’empresse de les essayer … et je confirme … Mon âme de graffeur s’est réveillée.
Il faut que je me retienne pour ne pas passer la maison au complet aux aérosols. Bon, mais trêve de blabla, je vous laisse regarde cette première vidéo avec des idées décoratives.
Et bonne nouvelle, pour ceux et celles qui veulent savoir plus, je vous prépare une autre vidéo pour 2018, plus artistique. Je me familiarise avec mes nouveaux joujoux pour vous revenir avec une expérience plus complète … mais je n’irai quand même pas faire des graffitis dehors … (Non, mais, j’ai plus 20 ans, j’ai des enfants, des responsabilités maintenant … HAHAHA !!!!)
Ça attise votre curiosité hein ??? Je sais … Ce que je n’ai pas démontré dans la vidéo, c’est que vous pouvez également vous en servir pour décorer des boules de Noël.Tant à l’extérieur de vos vieilles boules et leur donner un 2e souffle, qu’à l’intérieur de boules transparentes avec la buse à l’embout allongé.
Alors voilà quelques infos plus techniques.
Les Pébéo Spray diffusent une peinture acrylique donc permanente et résistante pour l’extérieur. Pour ceux et celles qui vivent dans des climats intenses, comme ici, je préconise quand même d’utiliser la finition d’un vernis.
La peinture sèche en 15 minutes environ.
Les solvants nocifs habituels ont été remplacés par une formule révolutionnaire à base d’eau, ce qui fait que leur odeur est équivalente à celle du fixatif pour cheveux. Ils sont donc très pratiques pour une utilisation à l’intérieur, comme à l’extérieur.
Les couleurs sont très couvrantes. La majorité d’entre elles à un fini mat et opaque.
Sur la bouteille, l’anneau est peint avec la véritable couleur, on sait exactement ce que l’on achète !
Et 2e surprise, il y a des petits formats très maniables, que j’adore !Un format idéal pour des petits projets ou pour les artistes qui n’utilisent l’effet aérosol qu’en petite touche par-ci par-là.
Pébéo a également créé des buses à embouts différents qui permettent des variations de traits multiples (vendues séparément en lot de 5).
Actuellement, il y a:
55 couleurs en 200ml
20 en 100ml (Heu … j’en veux + )
9 effets (métalliques, craie, tableau noir, ) + des vernis et du gesso (oui !!! Du gesso en aérosol ….Oh mes amis, j’ai hâte de vous montrer ça !!!! )
Mon seul bémol, le prix (aux alentours minimums de 10$CAN le 200ml et 8$CAN le 100ml et + encore selon le détaillant). Mais la révolution du confort a un prix …;-) Au moins ça m’aide à me contenir …
Épisode 2 : Coup de coeur n°2 : Les déco 3D : La peinture en relief
Ceux et celles qui ont déjà vu mes créations en vrai savent que j’adore le relief, les textures, les détails . Jusqu’à présent, j’utilisais les cernes reliefs de Pébéo (faux vitrail, vitrea et porcelaine). La belle découverte avec les déco 3D, c’est bien la fluidité qui a été améliorée. Et voici en image :
Rapidement après l’application, le produit fait un beau fini bien arrondi et beaucoup plus égal que les produits d’anciennes générations. L’application est plus facile à manipuler. On aime aussi le fait que le résultat ne soit pas collant une fois sec. Donc GÉNIAL pour les créations dans nos petits journaux, sur des cartes et pour le scrapbook. Les couleurs sont très riches et brillantes. C’est un produit idéal pour dessiner, écrire et décorer en détail. On peut autant faire des lignes continues que des petites billes bien définies et tout ça sur de nombreuses surfaces (bois, métal, terre cuite, porcelaine, papier, plastique, toile, etc.). Je tiens à aviser ceux et celles qui comme moi sont habitués à la consistance des cernes relief, qu’il faut une petite adaptation : lorsqu’on accumule les traits durant la même application, ils fusionnent entre eux pour faire une plus grande surface. Ce qui n’est pas le cas avec les autres produits mentionnés plus haut. On peut les utiliser directement sortis du tube, ou bien les étaler avec des pinceaux ou des spatules.
2 observations un peu décevantes:
1- À plusieurs reprises, j’ai été confrontée à la formation de bulles d’air. Il est dit que pour les éviter, il faut utiliser la technique du « laisser-tomber » (prendre une petite distance et laisser couler sans être appuyé). Mais cette technique demande une EXCELLENTE coordination et pour avoir des traits bien contrôlés. Je suis encore en exploration afin d’y pallier.
2- Le métal des tubes a été changé pour éviter qu’ils ne se percent. On sent une meilleure résistance, malheureusement, j’ai déjà eu un bris lorsque j’ai voulu retrousser le tube … Je continu donc à les protéger avec de l’adhésif très résistant (Duck Tape).
Pour les infos techniques :
Ces petits tubes de 20ml existent en 34 couleurs (on adore ça !!!! ), 1 colle et 4 effets.
Ils sont à base d’eau, donc on peut les diluer et les nettoyer avec un pinceau mouillé à l’eau (comme démontré dans la vidéo).
Ils sont permanents, une fois secs.
Épisode 3 : Les marqueurs
Les Skrib à la gouache, le coup de coeur n°1 de mes garçons
Ceux avec le manche blanc sont à base de gouache, ce qui veut dire non permanents et donc aquarellables. Très facile à utiliser tant pour les enfants que les plus grands. Idéal pour colorier et dessiner en ayant un effet peinture sans avoir tout à sortir.
Le fini est mat, opaque et très couvrant. Les couleurs sèchent rapidement surtout si le support est poreux. Les couleurs se mélangent facilement entre elles.
La peinture peut être facilement diluée avec de l’eau pour créer de la transparence (comme montré dans la vidéo) et ceci même lorsque la peinture est sèche. Pour rendre la création permanente, on peut utiliser le fixatif pour gouache et aquarelle.
Très facile à nettoyer avec de l’eau savonneuse. Et peut être utilisé sur de multiples supports (papier, carton, bois, terre cuite, etc.).
Les Skrib à l’acrylique mon 3e coup de coeur et ex aequo 1re place pour les garçons
On les différencie des autres grâce aux bouchons et aux manches noirs.
On adore encore une fois la facilité d’utilisation pour avoir accès à la peinture sans avoir à sortir tout le matériel. J’aime la finition brillante.
La peinture est permanente une fois sèche et très résistante. Donc avec supervision avec les enfants … Vous voyez ce que je veux dire. 😉
Les couleurs sont donc superposables une fois sèches, mais très bien miscibles lorsqu’encore fraîches.
Ils sont idéaux pour de nombreux projets décoratifs ou détails artistiques (cartes, journaux, scrapbook).
Seul petit bémol, Pébéo montre un projet sur des plumes ….. Et bien je ne sais pas comment ils ont fait, quelles plumes ils ont utilisées, mais ce que nous avons fait sur les plumes a été une véritable horreur … LOLLL .
Pour les deux types de marqueurs :
L’épaisseur du trait varie de 0,6mm à 1mm pour le noir et de 1,6mm à 2mm pour les autres couleurs.
On aime leur petite taille qui se transporte facilement.
Pas de bémol ni de déception avec ce sujet … J’espère pouvoir un jour les trouver à l’unité, parce qu’on utilise toujours les mêmes couleurs ici … 😉
Les 4Artit Marker
Ces marqueurs ne sont pas nouveaux sur le marché. Je crois qu’ils ont dû arriver au Québec, il y a déjà plus d’un an. Mais je constate bien souvent que les gens ne les connaissent pas suffisamment. Alors j’en profite pour leur rendre ici un petit hommage.
Ils sont à base d’huile (donc un peu odorants), et de fait pas du tout recommandés pour les enfants. Moi je les adore justement en techniques mixtes. Ils ajoutent une petite touche très couvrante, brillante et opaque à n’importe quelle création à base d’eau et d’huile.
Mon grand coup de coeur :les couleurs métalliques (Or, Argent et Cuivre) qui donnent les effets de véritables bijoux. Et ça, c’est parfait pour les décorations de fêtes non !!!
Deuxième avantage, ils ont une excellente distribution de la quantité de peinture et en plus on peut choisir de perdre le contrôle, parce qu’on peut créer de superbes projections lorsqu’on secoue le marqueur alors qu’il vient d’être rechargé. Ce n’est pas magnifique ça … ???
3e avantage, ils se réactivent entre eux, même une fois secs ou en utilisant le médium inodore (montré dans la vidéo). D’ailleurs, ce dernier permet de créer des dégradés, ou carrément même d’effacer ce que l’on vient de faire et ceci même si la peinture est sèche.
À noter, également qu’il est fortement déconseiller d’utiliser des aérosols (peinture, fixatifs, vernis) par-dessus la peinture des 4Artist, ils risquent de se réactiver même si la peinture est sèche (à cause des solvants dans les compositions des aérosols).
Autre grand avantage et non le moindre c’est leur vernis 4Artist. Ce dernier né de la gamme, nous permet de vernir tant les acryliques que les huiles et donc les techniques mixtes incluant les MIXED MEDIA de Pébéo (Vitrail, Moon, Prisme. Pour plus de détails sur ces produits, allez voir cette vidéo).
Je vous laisse découvrir tout ça …
J’espère qu’avec tout ça, vos cerveaux ont explosé d’idées, d’envie d’essayer de nouvelles choses ou de redécouvrir de nouvelles façons d’utiliser ces produits ….
Si vous avez des questions, des commentaires, des photos de vos créations, continuez de me les partager allègrement. J’adore ça !!!! !
Je vous souhaite de très bonnes fêtes, chaleureuses, réconfortantes et inspirantes.
Prenez bien soin de vous, des personnes qui vous sont chères et de Mme Créativité.
À très bientôt mes amis créatifs
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/retour-en-force2017-09-23T08:16:00-04:002018-07-26T09:21:16-04:00Retour en Forceedemota AdminPlus]]>
Bonjour chers amis créatifs
Il me semble que cela fait une éternité … plusieurs mois se sont écoulés depuis le dernier article/vidéo … C’est bien trop long ! Cela dit ,la vie poursuit son rythme amenant son lot d’anecdotes, d’expériences diverses et variées et tout autant de possibilités et d’opportunités. Que sait-il passé du côté de chez vous ? Pour certains, et certaines Facebook et Instagram nous ont permis de rester en contact, mais pas pour tout le monde … Je suis curieuse hein ? Et je sais que vous l’êtes aussi. Je vous ai laissé en mai, en vous parlant des projets en cours sur lesquels je me suis consacrée ces derniers mois. Alors voici où j’en suis et ce qui nous attend.
Projet 1 : Le nouveau site Web. Ceux et celles qui me suivent depuis l’année dernière ont pu le constater, il y a eu du changement. Premièrement, le nom du site est devenu www.edemota.com. J’adore l’appellation : « Instinct créatif », cela signifie beaucoup pour moi. Mais le nom avec accent me posait beaucoup trop problème à différents niveaux et celui sans accent est déjà utilisé. Alors j’ai préféré simplifier, j’ai pris mon nom. Cependant, je conserve le logo et ce nom Instinct créatif (ma formule magique hi!hi!). Une mutation visuelle du site est également amorcée. Cela dit pas assez à mon goût LOL.
Par manque de budget, je refais le site moi-même et c’est un bien grand apprentissage en autodidacte. Cette expérience teste ma patience, ma persévérance et mon Lâcher-Prise. Moi qui avais naïvement projeté de terminer la transformation fin juin… AH! Ah! Ah! et encore AH!AH! AH! Vaut mieux en rire… J’ai donc choisi de poursuivre la transformation une petite étape à la fois … en fonction des objectifs qui arriveront au fur et à mesure . Je vous remercie d’avance pour votre compréhension. J’ai bien hâte de grandir et de pouvoir déléguer tout ça à quelqu’un de plus compétent LOLLL
Projet 2 : Le cours en ligne : « Le jardin des encres »
Ce cours traite des encres acryliques et à l’alcool. Là encore, j’ai rencontré quelques décalages entre ma planification et la réalité. … J’ai oublié qu’en période de vacances scolaires, la maison est pleine d’enfants … Vous me direz, comment j’ai pu oublier ça ? Hein ??? Ben, je ne sais pas non plus … AHAHaHAH! Et eux ne m’ont pas oublié… LOLL ! Alors le tournage achève … et bientôt le montage puis la mise en place sur une plate-forme d’apprentissage en ligne … Je n’avais pas imaginé tout ce que cela pouvait impliquer comme questions, solutions techniques à trouver. Je crois que c’est plus réaliste de dire qu’il devrait être disponible avant Noël … OMG ! J’espère vraiment, ça semble loin dit comme ça … !!! LOLLL
D’ici là, si vous voulez avoir un petit aperçu, cliquez ici.
Projet 3 : Le livre sur la créativité
Ce petit bijou que je coécris avec mon amie Véronique Beaunoyer, avance à raison d’une rencontre mensuelle. Nous vous réservons bien des surprises au fil de nos idées plus folles les unes que les autres… Pour l’instant, j’ose dire que nous respectons notre échéancier.
Hein Véro ??? 😉
Projet 4 : 1er atelier de groupe: Éveillez votre instinct créatif.
J’avais prévu de vous envoyer cet article le dimanche 24 sept (jour où a eu lieu l’atelier), mais « la poule sans tête » que je me sens en ce moment n’a pas eu le temps … Ce fut un moment mémorable !!! J’étais déjà très émue 2 semaines avant la fermeture des inscriptions puisque l’atelier été complet et qu’en plus j’ai déjà une liste d’attente pour le prochain … ! Et pour couronner le tout la journée fut extraordinaire. Ces participantes de rêves ont joué à mes jeux un peu fous. C’était très touchant de les voir s’émerveiller et sortir peu à peu de leur cocon ! Cette journée n’aurai pas pu être un succès sans ma soeur cosmique Sylvie Demers, ni l’hébergement au magasin Hachem à St-Jérôme. Bien évidemment, je vous partagerai les précieux moments d’ici quelques semaines.
Projet 5 : 2eme atelier de groupe : « Découvrez votre langage visuel »
Cet atelier est prévu le 29 oct. Allez petite devinette … Croyez-vous que je suis impatience???? LOLLL Pour ceux et celles qui sont intéressées à y participer, cliquez ici.
Et la vie nous réserve des surprises.
Surprise 1 :
Durant l’été, j’ai été contactée par PÉBÉO afin de participer à une de leur formation pour découvrir leurs produits ! OMG ! Les équipes françaises et québécoises ont vu et beaucoup apprécié la vidéo que j’ai faite sur leurs fabuleux produits mixed media. Entre vous et moi, lorsque j’ai pris connaissance de leur courriel, j’ai sauté de joie et je me suis littéralement jetée par terre. Tellement la joie était intense! Et quel bonheur, cette fameuse journée. Je vous raconterai tout ça très très bientôt… Pour voir la vidéo en question, cliquez ici !
Surprise 2 : Mes tableaux sont exposés au studio Kinépilates à Montréal.
Il faut dire que cette année, je n’ai pas beaucoup investi de temps sur la mise en vente de mes oeuvres… Les pauvres elles se sentent un peu délaissées. Heureusement grâce à Chérhine Saïa, (propriétaire du studio et coach d’enfer en pilates), certaines d’entre elles peuvent colorer les yeux des quelques chançeux et peut-être trouver une nouvelle maison d’adoption. Si une d’entre elles vous intéresse, contactez-moi en privé. Les prix varient entre 15 et 500 $ et il possible de payer en plusieurs fois 😉
Surprise 3 : Peinture en direct
Samedi 24 septembre, j’ai eu le privilège de peindre en direct lors d’un anniversaire privé. Beuahhhahah !!! Est-ce que mes jambes étaient molles avant de commencer ? Est-ce que mon ventre était rempli de papillons et de dragons … ??? D’après vous ? Je reviendrai plus tard sur cette expérience FABULEUSE !!!! Comme disent nos ados et pré-ados … « J’ai trippé genre fou, non mais Tsé !! » LOL LOL LOL. RV sur ma page facebook, pour quelques vidéos tournées en direct lors de l’évènement.
Et pour les intéressés, il est maintenant certain que j’ajoute ce type d’évènements à mon offre de service. Contactez-moi pour plus d’informations. D’ici quelques semaines je mettrai ces informations sur le site.
Surprise 3 : … Ah ben là, il faudra attendre encore un peu … HI!Hi! Surprise 4 … : Ça, c’est la vie qui m’en réserve encore quelques-unes …
J’espère que tous ces nouveaux déroulements vous inspirent. En tout cas, moi je suis si emballée de constater à quel point chaque jour qui passe j’ai du bonheur à construire mon rêve. Même si parfois, les choses ne se produisent pas comme j’aimerai dans le temps et/ou dans la forme. Parfois, je me sens découragée et parfois je me sens « boostée » et à ma place. C’est un chemin fascinant.
À très bientôt mes amis. Laissez votre créativité émerveiller votre journée.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/exposer-c-est-se-mettre-a-nu2017-03-14T08:53:00-04:002018-07-26T09:20:10-04:00Exposer c’est se mettre à nuedemota Admin
Exposer c’est se mettre à nu, et je me sens toute nue ! Cet article n’était pas prévu dans ma planification mais finalement je ne pouvais pas passer à côté de ce qui se passe sans t’en parler. Je voulais te partager un petit quelque chose, si tu ne l’as pas déjà vu sur Facebook.
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Exposer c’est se mettre à nu, et je me sens toute nue !
Cet article n’était pas prévu dans ma planification mais finalement je ne pouvais pas passer à côté de ce qui se passe sans t’en parler. Je voulais te partager un petit quelque chose, si tu ne l’as pas déjà vu sur Facebook. Pour tout le mois de mars 2017, j’ai la chance de pouvoir exposer mes oeuvres dans le magasin où je travaille. Et bien entre toi et moi, après avoir fini l’accrochage, je t’avoue que j’ai été émue.
Pour la première fois de ma carrière j’ai 18 toiles accrochées ensemble ! 18 toiles ! Jusqu’à présent au cours des expositions auxquelles j’ai participé, je n’avais eu qu’un maximum de 6 toiles qui ne couvraient au total à peine 1m carré. Mais là ces 18 toiles représentent au moins 20m carré !
Émue !
Pas les gros sanglots non ! Mais je me suis sentie envahie d’une chaleur réconfortante; comme amenée dans un endroit rassurant, joyeux. L’expérience est très agréable !
Parce qu’exprimer sa créativité, c’est exprimer son âme.
L’exposer c’est la partager, la dévoiler au grand jour.
Et là pour la première fois, je peux observer un grand reflet de mon âme. C’est un peu déroutant ! C’est un peu comme découvrir un jumeau ou une jumelle, alors qu’on pensait être enfant unique.
Ce n’est pas pour rien que cela m’a pris des années avant d’avoir l’audace de le faire 😉
C’est également réconfortant parce que des fois, j’ai peur de me perdre dans mes multiples explorations. Les galeries, le marché et les critiques de l’art, veulent voir du sens, un fil conducteur dans le travail d’un artiste. Et des fois je ne suis plus très certaine de voir ce fil. Mais là, je n’ai pas de doute ! Durant cette expo j’ai pris le risque de mettre en lumière 4 séries différentes, 4 pistes exploratoires dans lesquelles je m’amuse depuis les 3 dernières années et avec lesquelles mon inspiration danse un coup avec l’une, un coup avec l’autre. C’est un fait, de les voir toutes réunies, je n’ai pas de doute, elles sont bien liées entre elles, chorégraphiées et mises en scène par les mêmes mains, par la même âme, par le même instinct créatif !
Ce constat est tout aussi valable avec les oeuvres de mes collègues avec qui je partage l’espace. L’expression picturale de chacun reflète en grande partie nos personnalités. Attention, je dis ceci sous toute réserve et sans analyse psychologique à l’appuie. … 😉 C’est juste une question d’énergie, de subtilité impalpable que les mots ne peuvent décrire.
Autre aveu 😉 , il y a aussi un certain privilège un peu malicieux à cette situation. Hi! Hi! Hi! C’est très amusant d’observer du coin de l’oeil les réactions des gens. Beaucoup ne savent pas que c’est l’équipe qui les sert qui a crée ces trésors, alors ils réagissent avec authenticité, sans pudeur ni hypocrisie. Et j’aime ça ! Certains sont complètement subjugués et d’autres complètement indifférents. Je m’amuse même à deviner quel client appréciera quoi … C’est drôle et parfois surprenant !
Alors je ne peux qu’être reconnaissante à mes boss de nous avoir offert cette opportunité. C’est pour moi, une opportunité mémorable !
Si j’ai un conseil à partager de cette expérience, ose partager, exposer ta créativité !
Je sais que je ne suis pas la seule à ressentir cette gêne, cette pudeur à montrer mes créations. Et c’est vrai que parfois certaines critiques peuvent être assassines mais le fait est qu’on ne peut pas plaire à tout le monde. Et c’est bien normal ! À près tout, il faut de tout pour tout le monde. En acceptant ce principe pour nous-même et pour nos créations, il me semble qu’il devient plus facile d’oser les dévoiler, de les assumer.
Et si toi aussi tu veux ou tu es en train de préparer un exposition, je t’invite à aller jeter un coup d’oeil et même à prendre des notes sur cet article super hyper intéressant de l‘artiste peintre Amylee : Préparer un vernissage : liste à faire ! Ses précieux conseils m’ont été très utiles … Surtout quand tu es dernière minute comme cela a été mon cas … 😉
Bon trêve de blabla, Voici d’ailleurs quelques photos :
Si tu es dans les environs et que tu as envie de voir en vrai tout ça, discuter avec moi et mes collègues et peut-être acheter un coup de coeur, voici les infos :
Et oui, comme tu l’auras noté, à la fin de l’exposition, je remettrais 10% des ventes à l’association des Dr. Clowns. Dans mon ancienne vie d’éducatrice spécialisée en réadaptation, j’ai eu la chance de collaborer avec eux et leur impact est magique ! Ce sera pour moi un honneur de les soutenir …
Tu as des questions, des commentaires, des choses à partager sur le sujet cela me fera un grand plaisir de te lire.
A bientôt
Edwidge
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/peindre-grace-a-ton-intuition2017-03-13T09:22:00-04:002018-07-26T09:19:44-04:00Peindre grâce à ton intuitionedemota AdminPlus]]>
Comment peindre grâce à ton intuition ?
Bonjour à toi ami créatif ! Tu veux être plus spontané(e) dans ta peinture, te laisser aller et t’amuser. Mais tu ne sais pas comment te libérer.
Ose ! Essaie ! Enferme-toi loin du regard des autres et laisse sortir ton enfant intérieur.
Laisse exprimer ton instinct créatif : GRHHHH !!! 😉 sur du grand format Oh YeaH !!!
La peinture intuitive est une des manières qui à mon sens permet de mettre le cerveau sur « off » et de se centrer complètement sur nous, sur notre âme, sur notre créativité et par conséquent qui va nous remplir complètement. En tout cas, pour moi ça marche à chaque fois.
Alors pour commencer, je te suggère de préparer un grand format. Cela peut être une toile, dans mon cas, je suis passée au support papier pour des raisons de place notamment. Ensuite choisis 2, 3 couleurs pour faire les premières couches. Ne réfléchis pas trop longtemps. Écoute ton instinct. Quelle couleur t’appelle aujourd’hui ?
Par la suite et de la même façon que tu as choisis tes couleurs, prépare quelques petits outils de base.
Processus démontré dans la vidéo d’aujourd’hui :
Pulvérise de l’eau sur le support pour commencer. Cela va aider la peinture à glisser plus facilement.
Applique la peinture de façon aléatoire selon ce que ton instinct te dit.
Utilise différents outils, qui vont donner différents motifs et textures.
En cours de processus, tu peux et je te suggère fortement de retourner régulièrement ton support, pour découvrir ta création sous différents angles. C’est une magie à 360° qui s’opère quand tu fais ça…
Surtout, ne réfléchis pas ou le moins que tu peux, fais taire tous les jugements qui vont vouloir surgir, ne les écoutes pas. Concentre-toi sur la musique lorsqu’ils arrivent et sur les couleurs et les formes qui te plaisent.
Encore une fois, l’esthétique du résultat n’est pas visée. En fait, plus tu te feras confiance, plus tu iras loin avec ton intuition et ton instinct et plus les résultats te seront satisfaisants.
Installes la musique de ton choix choix, qui t’inspire et qui va égayer ou relaxer ton humeur
Si tu veux d’autres inspiration sur la peinture intuitive tu peux aller voir cet article/vidéo :
Je tiens à remercier grandement l’artiste musicienne Kyrstyn Pixton qui m’a si gentillement autorisée à utiliser sa musique pour la vidéo d’aujourd’hui. Si toi aussi tu l’as aimé, voici le lien pour te procurer ses chansons.
Amsterdam – Standard series : jaune verdâtre, jaune de Naples rouge
Sennelier – Abstract : Irisdescent perle
Pébéo – Studio : orange fluorescent
Peinture Acrylique liquide :
Liquitex : vert phthalocyanine (nuance bleue)
Blanc : recette maison à partir du blanc vif de pébéo (n°41) + d’un médium à « airbrush »
Stevenson : Retardateur à peinture à acrylique. Ce qui retarde le temps de séchage de la peinture. J’ai ajouté un embout de bouteille de pulvérisateur, comme ça de temps en temps je mets une « poutch » sur ma palette et l’acrylique ne sèche pas trop vite.
Outils
Liquitex : Pinceau free style 2 pc / 5.08 cm de large
Speedball : Rouleau en latex
Pinceau rond : 2/4 de pc / 2cmde diamètre
une raclette / « Squeegee » (en bon français québécois ;-))
Pochoirs
Les doigts 😉 c’est gratuit !
de l’eau dans une bouteille en « spray »
une palette pour disposer la peinture
un sèche-cheveux pour accélérer le séchage lorsque nécessaire
Une bassine, une cuve remplie d’eau : pour pouvoir rincer le matériel ou au moins le mettre à tremper. Non mais on va perdre du temps à nettoyer en plus non ! 😉
Un chiffon
J’espère que cette démonstration t’a inspiré(e) à te laisser aller, suivre ton intuition et ton instinct.
Si tu as des questions et des commentaires, je t’invite à les laisser en bas dans la case appropriée ou à me contacter par courriel.
Si tu penses que cela peut inspirer quelqu’un de ton entourage, partage lui ta découverte.
Au plaisir grosses bises colorées
Edwidge
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/peindre-sur-le-papier-ou-la-toile2017-02-26T09:41:00-05:002018-07-26T09:32:32-04:00Peindre sur le Papier ou la Toile ?edemota AdminPlus]]>
Le papier ou la toile ? Il semble évident que les fonctions ne sont pas les mêmes et pourtant …
Si tu as envie de peindre et que tu penses au matériel qu’il te serait nécessaire, qu’est-ce qui te viendrait en tête ? Je suis quasiment certaine que la toile sera sur ta liste. Comme 95% des personnes d’ailleurs. Heeuu!!! Ceci est tiré de mon étude très très scientifique … LOL ! Bon j’exagère un peu. Mais depuis que je travaille dans un magasin de matériel d’artistes, je fais ce constat. Très souvent, quand on dit peinture (acrylique ou huile), on pense à » la toile sur châssis ».
Mais très souvent aussi il me semble que la toile vient avec une sorte de cérémonial qui peut représenter un obstacle à l’expression de la créativité. En effet, la toile se montre à nous avec sa prestance, son sérieux, et par le fait nous oblige à ne pas nous manquer. Surtout lorsque nous sommes des personnes « un peu » perfectionnistes . Oui oui, toi là, je t’ai reconnu ! 😉
Et où sont le plaisir, la spontanéité, le jeu de la découverte, les expériences ? La toile nous impose le résultat réussi. Et s’il ne vient pas, si par « malheur » une « erreur » se pointe, la pauvre toile se retrouve au fond du placard, au mieux elle sera repeinte, au pire elle atterrit dans les poubelles.
Il y a quelques années, alors que j’étais prise par une subite envie de peindre et sans toile pour m’assouvir, je me suis mise à peindre sur des feuilles d’aquarelle, avec ma peinture acrylique.
Et quel plaisir, mes amis !
Cette peinture intuitive a été réalisée la semaine dernière
sur du papier mixed media en rouleau, aggraphé sur une planche de masonite.
J’ai découvert avec le papier une légèreté, une fluidité, une LIBERTÉ ! J’exagère encore … ? Non, pas du tout. 😉 Avec le papier, il y a toute la place à l’erreur, parce que ce n’est pas grave … « c’est juste du papier » !
Le papier permet aux perfectionnistes qui se soignent (comme moi et peut-être comme toi ) d’être audacieux, de lâcher-prise sur l’attente de résultat satisfaisant et surtout de s’amuser.
Nous sommes plusieurs pour qui le budget a un impact sur notre créativité. Alors je préfère préciser par là, que je ne parle pas du beau papier pour l’aquarelle (à plus de 9$ la feuille), mais d’un papier meilleur marché. Ce qui nous autorise à nous laisser aller, à inviter la fabuleuse tâche imprévue qui vient se glisser et à s’en émerveiller.
Non, mais sans blague, au-delà de l’aspect financier, lorsque nous sommes trop fatigués pour s’installer avec la peinture et avec tout ce que cela implique, ou bien encore lorsqu’on a peu de temps, le cahier de papier est pour moi une magnifique alternative.
C’est génial lorsqu’on n’a pas l’espace pour s’installer avec un chevalet.
Le papier se range plus facilement même entre 2 périodes de création.
Une toile nécessite un espace particulier pour la travailler et pour la stocker pendant la réalisation et après, une fois qu’elle sera finie.
Lorsqu’on a juste 10-15 min, pour libérer notre instinct créatif, c’est génial ! J’en parle notamment dans « Sésame, Inspire-moi ! »*, les fameux rendez-vous quotidiens avec son artiste intérieur. Le cahier s’avère un outil fabuleux pour ces moments précieux…
Si tu es déjà allé(e) dans un magasin de matériel d’art, je suis certaine que tes yeux ont dû se perdre devant tous ces cahiers et devant la vastitude de choix, de format, de nature de papier qu’il existe.
Alors, comment choisir son papier ?
En fonction des techniques que l’on veut utiliser, il est primordial de porter attention au calibrage du papier. En général, plus le chiffre est gros, plus le papier sera résistant à l’eau et aux manipulations. Il restera plat, ne gondolera pas et ne s’effritera pas.
Si tu utilises des crayons, feutres, fusain, pastel sec, etc., le calibrage peut être environ de 90g. Le papier d’imprimante peut suffire.
En revanche si tu utilises des matières liquides (peinture acrylique, aquarelle, crayons aquarellables, encre, etc.) je te suggère d’acheter du papier pour aquarelle ou mixed media (en bon français : technique mixte) ou encore le must du papier, le Terraskin (fabriqué à base de pierre) c’est comme dessiner sur la peau d’un dauphin … Ahah ! c’est bien connu on dessine souvent dessus ! En revanche, je ne sais pas si on le trouve ailleurs qu’en Amérique du Nord.
Le calibrage de ton papier doit se situer entre 190g / 90lb et idéalement 300g / 140lb. Cette information est indiquée sur la couverture du cahier.
Maintenant, quel format choisir ?
Les appellations et dimensions des formats varient en fonction du pays où l’on se trouve. Je vais donc y aller approximativement et te laisser le soin de trouver en magasin ce qui te convient.
En fait, je dirais que le format varie en fonction du temps et de l’espace que l’on a. Si c’est pour se relaxer quelques minutes, en fin de journée, sur le coin de la table de la cuisine, ou bien en vacances (pour les plus chanceux ), je te suggère un format petit à moyen et au maximum le format Lettre / A4. Pourquoi ? Parce que premièrement, ça se transporte et se range plus facilement, deuxièmement parce qu’il te faudra moins de temps pour finir une création, ce qui est un plus encourageant. Pas trop petit, parce que je suis certaine que tu prendras vite goût à une gestuelle avec des amplitudes … Cela dit, je me trompe peut-être, tu te connais mieux.
Si tu veux, tu peux aussi t’en faire un toi-même selon tes préférences. Pour d’autres idées tu peux voir ici : DIY ton journal artistique.
En revanche, si tu peux t’accorder plus de temps et que tu as l’espace … Je ne dirais qu’une chose : GO! GO ! Fais-toi plaisir ! Une grande feuille, en rouleau, une toile, peu importe.
Enjoy !
Bien sûr, il faut penser à ton espace de rangement et de stockage. Une toile grand format dans un appartement sans espace deviendra vite un obstacle et une source de frustration. Si tu n’as pas de place, je te suggère encore les cahiers, cette fois-ci en format plus grand (minimum de 22×30 pc / type format raisin ou50x 60 cm / 55×75 cm). L’avantage c’est que tu peux faire plusieurs créations et que ça se range assez facilement dans un placard ou derrière un meuble.
Si tu n’as vraiment pas de place (ce que j’ai connu les 2 premières années de mon fils), je te suggère de rester avec les dimensions plus petites.
Si tu es satisfait(e) du résultat, tu pourras facilement soit l’encadrer (cadre pour photo par exemple) ou encore le maroufler sur une toile.
Et si jamais tu n’es pas satisfait(e) du résultat, ce n’est pas grave ! Tu pourras toujours réutiliser ton papier pour faire des collages, des cartes, t’en servir de fond pour une autre création …
En art, ce n’est que plus vrai !
J’espère que cet article t’a donné plein d’idées plein la tête … Et que tu brûles de te jeter sur ta peinture et ton support. Alors, toile ou papier, que vas-tu choisir ?
Tu as d’autres idées ou précisions à partager… Laisse un commentaire en bas de page.
Au plaisir de te lire et de voir tes propres créations.
ps: Comme toujours, si tu penses que cet article peut inspirer une personne de ton entourage… partage-lui ta découverte 😉
* »Sésame, inspire-Moi! est le e-magazine que j’offre en cadeau à tous les abonnés du blogue. Si tu ne l’as pas encore reçu et que cela t’intéresse, tu n’as qu’à t’inscrire dans la boîte de dialogue sur la page d’accueil. Tu recevras un lien par lequel tu pourras télécharger le e-magazine (format pdf). Si des problèmes techniques arrivent, tu peux me contacter par courriel.
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/une-carte-pour-prendre-soin-de-soi2017-02-18T09:50:00-05:002018-07-26T09:49:24-04:00Une carte pour prendre soin de Soiedemota AdminPlus]]>
Une carte pour prendre soin de soi, au quotidien
Est-ce qu’il t’arrive parfois de sentir que la vie va trop vite, que dans la routine du quotidien tu n’as plus d’espace temps pour prendre soin de toi et pour te nourrir
toi, dans ton for intérieur ?
Moi, OUI ! Ça m’arrive très souvent ! Ceux qui me côtoient au quotidien savent à quel point c’est un enjeu de tous les jours de « dealer » avec tout ce qui doit se passer dans la vie d’une journée : le travail, la vie de famille, la réalisation de nos rêves et de nos ambitions et les difficultés que la vie peut nous amener.
Le jour où j’ai tourné cette vidéo, nous étions la Saint-Valentin, ce qui m’a inspiré la conversation d’aujourd’hui. Et je vais t’emmener dans un de mes rituels qui se retrouve dans une carte (d’où le lien avec la Saint-Valentin).;-) 😉
Cette habitude m’aide à rester connectée, concentrée sur qui, je suis, sur une énergie positive, sur un état d’esprit de gratitude, d’Amour et d’optimisme et de conquérante.
La carte m’a été inspirée d’un de mes livres favoris : « Comme par Magie – Vivre sa créativité sans la craindre » d’Elizabeth Gilbert. À l’intérieur, elle y décrit le concept de sacraliser notre créativité. Et dans mes exercices quotidiens, afin de garder mon état d’esprit positif, connectée à l’Amour et à l’Action, j’ai pour habitude de stimuler mon sentiment de gratitude. Peut-être que c’est un concept dont tu as déjà entendu parlé, peut-être même que tu le pratiques déjà.
Le concept de gratitude se base sur le fait d’être conscient et reconnaissant chaque jour des belles choses, des belles expériences qui nous arrivent, des situations que nous vivons, et ce même si tout n’est pas parfait. Et de considérer que tout est parfait même si c’est imparfait. D’accueillir ce qui est présent et ce qui ne l’est pas. Tout ceci a pour effet de cultiver les sentiments de paix et de joie intérieures.
" Votre vie quotidienne est votre temple et votre religion. Quand vous y entrez, prenez avec vous votre tout." Le Prophète - Khalil Gibran
Pour intégrer ces exercices de gratitude, je me suis construit une petite routine. Dans cette carte, j’ai inscrit l’ensemble des situations pour lesquelles je suis sincèrement reconnaissante en la vie, en l’Univers, en Dieu ( peu importe la façon dont on l’appelle, l’important est que cela fasse du sens pour nous). Des choses essentielles que l’on a souvent tendance à considérer comme acquis lorsque tout va bien (santé physique et mentale pour nous et pour nos chers), d’être entouré(e) par ces personnes qui nous sont chères.
" C’est dans la rosée des petites choses que le cœur
trouve son matin et se rafraîchit."
Le Prophète - Khalil Gibran
Il y a également un volet, où j’en appelle à la Créativité, j’en appelle à cette énergie créatrice, à cette muse qui se promène un peu partout dans le monde.
J’éteins le téléphone pour ne pas être distraite par quoi que ce soit et avec une tasse de thé, une bougie, des huiles essentielles (et ma doudou), je m’installe confortablement.
Puis je commence à lire ma carte d’amour, pour moi, pour la vie, pour l’Univers.
Après avoir lu,
j’en retireun SENS pour moi,
pour mon âme, un état de bien-être et de reconnaissance.
L’important c’est de VÉRITABLEMENT ressentir
cet état de gratitude dans notre coeur, dans nos tripes.
Par la suite, je prends mon journal, dans lequel j’écris ce que j’aimerai voir se réaliser dans ma vie, mes inspirations, mes rêves, mes ambitions.
Après avoir fait ces exercices,
je me sens beaucoup plus centrée
sur ce que je veux faire de cette journée, dans quelle énergie je veux me sentir,
sur ce que j’entrevoie,
ce que je veux créer pour ma vie,
un jour à la fois.
Ainsi j’utilise la force créatrice de la vie, pour créer ma vie.
J’espère qu’après cette visite dans mon petit rituel tu te sens invité(e) toi aussi à prendre du temps pour toi et à créer ta vie.
Merci d’être passé(e) par ici 😉
Si tu penses que cela peut intéresser une personne de ton entourage, partage-lui ta découverte.
Au plaisir !
Edwidge
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https://edemota.com/blogs/ma-passion-partagee/comment-utiliser-les-peintures-pebeo-mixed-media2017-02-07T09:58:00-05:002018-07-26T10:01:47-04:00Comment utiliser les peintures Pébéo Mixed Media ?edemota AdminPlus]]>
La vidéo d’aujourd’hui est en réponse à une demande spéciale de Danielle qui voulait savoir : comment utilise-t-on les peintures Mixed Media de Pébéo ?
Je tiens à préciser que cet article/vidéo n’est pas du tout commandité par Pébéo … Même si je n’aurai pas dit non LOL ! 😉 C’est un produit que j’apprécie énormément et que j’utilise souvent dans mes créations.
Cette gamme « Mixed Media » de Pébéo est constituée des peintures Vitrail, Prisme et Moon et des cerne-relief. Elles sont utilisées dans les arts décoratifs et l’artisanat.
On peut également très bien les intégrer dans des créations d’art visuel, comme j’aime le faire !!!
Les effets
Les faux-vitrail, comme leur nom l’indique donne l’illusion d’un vitrail avec une riche transparence et une extrême brillance. Il y a également dans cette gamme quelques couleurs opaques.
Les Prisme créent des effets d’alvéole :
Les Moons dévoilent des effets marbrés, un peu comme des pierres précieuses :
On peut les utiliser sur différentes surfaces, telles que le verre, les toiles, le bois, le métal (incluant les mixed media).
Ces peintures sont à base de solvant et dégagent une petite odeur ce qui peut être très inconfortable pour certains. Si tu veux être sûr(e) de les supporter avant de les acheter, tu peux demander au commis en magasin de te les ouvrir et prends une bouffée toxique…
Si cela t’incommode beaucoup trop, mais que tu veux vraiment les utiliser (c’est bien normal, le résultat est fabuleux) ! Il y a la solution du masque à cartouches que l’on peut se procurer en magasin de bricolage et quincaillerie.
Les outils
Un bâton (baguette chinoise par exemple … neuves ! Lol)
Les pipettes (vendues par Pébéo, on peut aussi utiliser des seringues ou autres pipettes de pharmacie)
Les bâtons applicateurs
Les pinceaux pas chers.
L’application
À l’aide des bâtonnets, mélange doucement la peinture. Il ne faut pas créer des bulles d’air, qui peuvent apparaître dans le résultat. Et dans la peinture « Prisme » cela peut empêcher les alvéoles de se former. .. donc doucement !!
L’application peut se faire au bâton, avec le pinceau, en versement direct, avec la pipette et enfin avec le bâton applicateur.
Les cernes -relief
Le cerne-relief est une pâte opaque à base d’eau et qui sert à délimiter la zone de travail et empêche les peintures d’interagir entre elles.
Très important, si c’est la première fois que tu utilises ce genre de peinture. Prends le temps de t’entraîner sur un papier de brouillon. La coordination que cela demande n’est pas facile pour tous. Appuyer tout en dosant la force et dessiner en même temps .. Houlala !!Donc l’entraînement peut être utile.
En plus de cerner les peintures citées plus haut, on peut s’en servir également pour écrire, dessiner, créer des ornements EN RELIEF !
Pour faire des lignes droites, tu peux utiliser une règle.
Si la canule est bouchée, ne force pas, cela va faire trouer le tube. Pour éviter cela, il faut idéalement nettoyer après chaque usage la canule à l’eau tiède sinon utiliser une aiguille avec une petite tête afin de déboucher l’orifice.
Ces peintures sont miscibles entre elles et peuvent ainsi créer une multitude infinie de résultats.
Il est important de travailler à plat. Ces peintures sont « autonivelantes » et de ce fait subissent la force de la gravité. Ce qui va avoir un impact sur le résultat.
L’entretien des outils
Ces peintures se dissolvent grâce à de l’essence minérale ( au Québec : Taltine, en Europe : White spirit). Dans mon cas, j’ai toujours un bocal rempli d’essence minérale, que j’utilise pour nettoyer les outils soit encours de création ou après usage. Ainsi je peux conserver l’essence minérale pendant plusieurs semaines, avant d’avoir à la changer, avant que cela ne devienne une mayonnaise. 😉
Pour nettoyer la pipette, remplis-la d’essence minérale, secoue-la bien en bouchant l’ouverture avec ton doigt.
Voili-voilà !
Danielle, j’espère avoir répondu à toutes tes questions.
Si des interrogations demeurent, et si toi aussi, comme Danielle, tu aimerais me voir explorer une technique ou un produit, en particulier contacte-moi, je me ferai un plaisir d’y répondre à travers un prochain article/vidéo.
J’espère que toutes ces informations t’ont inspiré(e) à utiliser ces produits fabuleux.
Si tu as l’envie de m’envoyer une photo de tes réalisations, cela va me faire plaisir de les voir !
Si tu penses que ce que tu viens de découvrir peut inspirer quelqu’un de ton entourage, partage-lui ta découverte …
Au plaisir …
Des bises bien colorées !
Edwidge
Ps : Voici les images des oeuvres que j’ai mis en avant dans ce vidéo :